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Corto y pego… luego aerografío.

La aparición del aerógrafo rebasa ya el centenar de años (tiene 130 para ser exactos) pero si lo comparamos con otras técnicas pictóricas de representación (acuarela, óleo, etc.) su uso es todavía muy reciente. En el transcurso de su desarrollo la mayoría de los artistas que ha empleado el pincel de aire han sido autodidactas y al trabajar con esta herramienta han incorporado o inventado soluciones técnicas a los diversos problemas de representación que han terminado siendo parte fundamental en su manejo y aplicación. La más importante (compartida a la vez con otras técnicas más antiguas) es el uso de mascarillas.

Al hablar de mascarillas es necesario hacer hincapié en algunos puntos:

1.- El uso de mascarillas es una técnica que comprende la fabricación de la misma, su montaje en el soporte a trabajar, la aplicación de color a través de ésta y su retiro cuidadoso de la superficie del original terminado.

2.- Por lo general la elaboración de una mascarilla involucra la intervención de herramientas de corte para seccionar o cortar la forma deseada que será utilizada como barrera física para aplicar el color en el original por lo que es necesario dedicar cierto tiempo para mejorar las habilidades de corte ya que de éstas depende también un buen resultado final observable en el acabado de los perfiles del trabajo.

3.- La elección de una adecuada herramienta de corte afectará positivamente el resultado final en la imagen que estemos trabajando pues nos ayudará a realizar los cortes con mayor comodidad.

4.- Es muy importante cuidar el filo de las navajas empleadas, si se cuenta con el filo adecuado entonces la presión que debamos emplear será poca y no dañaremos excesivamente nuestro soporte.

5.- Olvidarse de las limitaciones de la herramienta… utilicemos la cuchilla o navaja como si fuera otro instrumento de dibujo, tracemos con una presión constante para lograr cortes fluidos, precisos y limpios, libres de errores.

Con la finalidad de depurar las habilidades de corte y prepararse para las partes más complejas de la técnica de aerografía desde el comienzo de este semestre yo recomiendo siempre realizar ejercicios de corte y montaje previos (yo los llamo ejercicios de transformación de la forma, ya que mediante cortes y seccionados del material se transforma una figura básica -en este caso un rectángulo- en otra diferente) ya que afinan pertinentemente la habilidad manual con la navaja.

Posteo a continuación los esquemas de los ejercicios que hasta ahora se han dejado en clase con la fnalidad de que todos llevemos un control de qué se ha visto en estas semanas de clase y todos nos actualicemos periódicamente.


El diseño de personajes en la práctica.

Como en toda metodología de diseño, una vez que se detecta una necesidad de comunicación (en este caso la solicitud por parte de un cliente de realizar una mascota o un personaje para determinada finalidad), se procede a hacer un acopio y análisis de datos clasificados ( esta etapa involucra investigación documental e iconográfica para tener elementos conceptuales a la mano con los que se resolverá el problema visual planteado) para poder realizar una estructuración de conceptos a transmitir (que por lo regular es una primera etapa de bocetaje donde se generan variantes de la propuesta de diseño del personaje y se someten al riguroso filtro de la crítica para utilizar la versión que cubra las necesidades y especificaciones del cliente) y finalmente se llega a la etapa de producción del recurso que satisfaga esa necesidad de comunicación (es aquí donde se trabaja ya sobre el boceto elegido empleando los recursos de representación pertinentes) para finalizar el proyecto.

Observen esta ilustración: el estilo no me encanta pero podemos encontrar en sus personajes las cualidades visibles expuestas en la entrada anterior. El autor es Sergio Ordoñez, un diseñador español que realiza entre otras cosas diseño de mascotas y personajes para diversos fines.

Les dejo el link donde explica paso a paso la metodología que empleó para este proyecto en particular. Leanla con ojos críticos, les va a ser de utilidad.

http://www.sosfactory.com/blog/how-to/mascot-design/mascot-design-in-real-time-order-psdtuts/

Una vez resuelto el diseño del personaje conviene realizar estudios del mismo para conseguir mantener una homogeneidad de estilo. Debemos ser capaces de visualizar a nuestra creación desde diversos ángulos con la finalidad de hacerlo creíble. Les pongo aquí los links a varias páginas de ilustradores que se dedican al diseño de personajes para que estudien y analicen sus respectivos trabajos:

El primero, Nikolas Ilic:

http://nikolas-ilic.blogspot.com/

El segundo, Maxime Mary:

http://makismlost.blogspot.com/

El tercero Brett Bean:

http://www.2dbean.com/#!

La cuarta y última Elsa Chang:

http://elsasketch.blogspot.com/

Tres videos.

Tal como les comenté en clase les dejo estos tres videos de dos profesionales en acción. El primero corresponde a Alex Ross, ilustrador norteamericano y los dos siguientes a Quentin Blake, de nacionalidad británica.  Observen el tamaño de los originales que trabajan y los recursos utilizados en su oficio. Me parece particularmente interesante la forma de trabajar del señor Blake, ya que es muy libre y espontáneo pero muy riguroso al mismo tiempo, si algún boceto no lo termina de convencer lo guarda y  trabaja de nuevo la idea varias veces hasta que la composición o la actitud del personaje o el conjunto en sí mismo le satisfacen.

Alex Ross

Quentin en acción 1

Quentin en acción 2

Diferencia entre veladura y lavado.

Existen varios términos técnicos que a menudo son confundidos en el medio -particularmente en el terreno de la ilustración-, como en el caso concreto de la palabra lavado que muchas veces es utilizada para hablar de una veladura. Es conveniente conocer la diferencia entre éstos dos términos que aunque sutil puede dar lugar a muchas confusiones en el momento de utilizar una técnica en específico y cuyos resultados finales pueden verse influenciados por este error de concepto.

En lo que respecta a la acuarela un lavado es una película uniforme de pintura bien diluída en agua que se puede aplicar de diferentes formas: se puede cubrir toda la superficie del papel o el área a pintar con un tono uniforme que sirva como base de color para otros lavados; se puede degradarlo tonalmente de oscuro a claro o viceversa; se puede realizar un fundido de color mediante dos lavados planos de dos diferentes colores aplicados desde dos diferentes direcciones pero que convergen en un punto del área a trabajar -generalmente al centro del plano-, etc. ¿Les suena conocido? Efectivamente, es el principio de la acuarela, por lo que podemos afirmar que al hablar de un lavado estamos hablando implícitamente de la técnica en sí.

Ahora veamos qué significa veladura: es una película de color transparente extendida sobre una pintura preliminar seca que produce un tercer color como consecuencia de la superposición de pigmentos. El resultado final es una mezcla óptica de colores, más que una mezcla física. Aunque la veladura tiene su origen en el óleo también es utilizada en técnicas como la pintura acrílica, el gouache y -adivinaron- la acuarela, medio en el cual se producen obras notables gracias también a la transparencia característica de la técnica en sí. Como consecuencia al hablar de una técnica de transparencia nos referimos a la técnica de veladura en acuarela.

En la ejecución apropiada de una veladura existen ciertas condiciones que es preciso observar para un mejor resultado final:

  1. Se debe comenzar aplicando un tono base muy diluído como fondo de color. La razón es sencilla, es más dificil aplicar un color claro sobre un fondo oscuro, ya que debido a su transparencia no se observarán cambios perceptibles. Es más conveniente comenzar con un color claro e ir progresando gradualmente hacia los colores más oscuros mediante veladuras sucesivas de color.
  2. El tono y color del lavado inicial -el que nos servirá como base o fondo para las posteriores veladuras que se aplicarán- deben ser elegidos en función del color dominante de la imagen final. Un lavado azul oscuro como color base no resultará práctico si nuestro primer plano será resuelto con amarillos y ocres.
  3. Siempre debemos comenzar a aplicar la veladura una vez que el lavado previo haya secado totalmente.
  4. Determinar cuidadosamente la intensidad necesaria de cada veladura de color para evitar emplear demasiadas capas superpuestas de pigmento, ya que un exceso de capas de color provocará que el resultado final se vea opaco.
  5. Aplicar pinceladas rápidas y seguras para evitar que se altere la pintura subyacente.

Para finalizar les dejo una muestra de cuál debe ser el resultado final que buscamos en el nuevo ejercicio de transparencia o veladuras que vimos en clase.

tercer ejercicio de color plano


¿Fríos, cálidos o neutros?

La percepción del color es una experiencia subjetiva, es una reacción de nuestro cerebro, una sensación mental. ¿Cómo sabemos que los colores son reales?. El cerebro los percibe y no los cuestiona. Una cosa es segura, cuando el sol se mete y la luz se torna oscuridad nuestra percepción hacia el color se modifica. En el terreno de la física el color puede definirse como un fenómeno lumínico: es la descomposición de la luz blanca en una franja espectral coloreada a través de un prisma. Cada color del espectro posee una longitud de onda específica. El color nace únicamente en nuestro cerebro en el momento en que el ojo humano capta la longitud de onda correspondiente a cada color. De igual manera si mezclamos estos colores luz el resultado será el blanco nuevamente.En el aspecto pictórico el efecto es diferente. Si mezclamos los colores pigmento (materia colorante) obtendremos como resultado un gris muy oscuro.

Para comprender cómo utilizar el color primero necesitamos entender cómo interactúa con respecto a otros. Un color adquiere su valor en oposición a una ausencia de color, como el negro, el blanco o el gris o en relación a un segundo color o incluso a varios colores. Hay colores que al colocarse juntos poseen la misma carga lumínica (vibran con la misma intensidad), en otros casos uno de los dos colores será el dominante pero sin el más tenue o neutro el impacto del primero se ve disminuído y existirán ocasiones en que los dos colores se neutralizan al colocarse juntos. Podemos comprobar de forma práctica este hecho utilizando un círculo cromático.

Los colores reflejan una cierta personalidad y/o estado de ánimo. De hecho, además de la clasificación de colores en primarios, secundarios y complementarios se ha realizado otra clasificación de los colores a partir de la sensación psicológica que provocan en el espectador, así tenemos a los colores cálidos y los colores fríos. Aquellos derivados del azul se consideran fríos y los obtenidos del rojo son denominados cálidos. Su impacto es tan grande en nuestra psique que diversas culturas les han otorgado diferentes significados y símbolos. Revisen esta página:

http://www.mariaclaudiacortes.com/colors/Colors.html

todas esas connotaciones simbólicas están visualizadas de manera muy lúdica e ilustrativa en esta pequeña animación en flash. Explórenla, jueguen y diviértanse. Ya la comentaremos después.

Ahora bien, ¿cómo conseguir una adecuada combinación armónica de colores?

No pretendo dar una respuesta única y universal, ya que cada persona posee distinta sensibilidad hacia los colores. Pero si expongo en términos generales tres consideraciones técnicas que en mi experiencia personal pueden dar buenos resultados en el momento de elegir la paleta de colores que necesitamos para realizar nuestras imágenes.

1- Definir la cantidad de colores de acuerdo al proyecto que se vaya a realizar. Debemos trabajar con un conjunto limitado de colores, de lo contrario el resultado será caótico.

2- Debe existir suficiente contraste entre los tonos a utilizar (además del color que se vaya a emplear se debe contar con un color complementario). Por ejemplo, si se cuenta con un set de tres colores, el Color Uno debe contrastar con el Dos y el Tres.

Otra posibilidad es que el Color Uno sea el complementario del Color Dos o el Tres.

Usar colores que contrasten es importante para obtener un diseño bien equilibrado.

Se pueden usar dos colores claros y uno más oscuro, o uno claro, uno medio y otro oscuro.

3- Dosificar el contraste entre colores muy dominantes. Debemos asegurarnos de que el ojo encuentre algún punto de descanso en nuestro diseño. Para alcanzar este objetivo se deben utilizar los colores en sus correctas proporciones. Por ejemplo, emplear el color más claro en las áreas más grandes de nuestra imagen y los colores más vibrantes en aquellos elementos que sean más importantes (personajes, primeros planos, etc.). Los tonos medios deben ser usados para segundos planos o jerárquicamente en aquellos elementos de importancia secundaria en la imagen.

Para finalizar les dejo la ilustración que les mostré en clase con tres variantes de color. Sólo una propuesta es la más armónica. Obsérvenlas y analísenlas y comenten cuál es la mejor y cuál combinación de colores es la menos afortunada. Sustenten sus opiniones. ¿Quién dijo yo?…

Lobo A

Lobo B

Lobo C