Curriculum

IGNACIO SALAZAR

DATOS PERSONALES

Lugar de nacimiento: México D.F.

Fecha de nacimiento: 3 de octubre de 1947

Domicilio: Matamoros 38, Col. Tepepan, C.P. 16020, Deleg. Xochimilco, México, D.F.

Celular: 04455 2344 7843

FORMACIÓN ACADÉMICA

ESTUDIOS

1984-1986           Maestría en Artes Visuales Orientación Pintura. Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM. Tesis: “Un lugar en la pintura”. Mención Honorífica.

1971-1974           Licenciatura en Artes Visuales. Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM.

IDIOMAS             Inglés, Hablado: 90%

Escrito: 80%

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

(Selección)

2011                    “La práctica de la pintura”, Galería Arte Actual Mexicano, Monterrey, N.L. México

2006                    “Sunyata”. Galería Arte Actual Mexicano, Monterrey, N.L. México

2004                    “Todo es sueño”. Galería Arte Actual Mexicano, Monterrey, N.L. México.

“Todo es sueño”. Tecnológico de Monterrey, Campus Ciudad de México.

2001                    Galería Arte Actual Mexicano. Monterrey, N.L. México.

1999                    Museo de Arte Moderno. Ciudad de México.

1997 Galería Arte Actual Mexicano. Monterrey, N.L. México.

1995 Galería Arte Actual Mexicano. Monterrey, N.L. México.

1994 Galería de Arte Mexicano. Ciudad de México.

1992 Muestra Retrospectiva 1976-1992. Museo de Monterrey. Monterrey, N.L.

1991 Galería de Arte Mexicano. Ciudad de México.

1990 Galería Arte Actual Mexicano. Monterrey, N.L. México.

1988 Galería Arte Actual Mexicano. Monterrey, N.L. México.

Hartley Gallery. Carmel, California. Estados Unidos.

1987 Galería de Arte Mexicano. Ciudad de México.

1986 Academia de San Carlos. UNAM, Ciudad de México.

Hartley Gallery. Winter Park, Florida. Estados Unidos.

1985 Hartley Gallery. Winter Park, Florida. Estados Unidos.

Galería Arte Actual Mexicano. Monterrey, N.L. México.

1984 Hartley Gallery. Winter Park, Florida. Estados Unidos.

Galería Arte Actual Mexicano. Monterrey, N.L. México.

1983 Hartley Gallery. Winter Park, Florida. USA.

1982 Galería Miró. Monterrey, N.L. México.

1981 Museo de Arte Moderno. Ciudad de México.

1980 Galería Miró. Monterrey, N.L. México.

1979 Galería Miró. Monterrey, N.L. México.

1976 Sala Diego Rivera. Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México.

Centro de Arte Moderno. Guadalajara, Jalisco. México.

EXPOSICIONES COLECTIVAS

(Selección)

2010-2011 Artesano entre Artistas. Centro de las Artes de San Agustín Etla, Oaxaca

Cien Años de Pintura Universitaria, Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México.

2010 Aguafuertes de Nuestra Historia: Estampa Histórica Contemporánea. Academia de San Carlos, Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM.

Paisajes, Espacio Infinito, Centro de las Artes, Monterrey, Nuevo León.

2009 Arte-Sano (entre) Artistas, Museo de Arte Popular, Centro Histórico   de la Ciudad de México.

100 años de gráfica de Maestros de la Academia de San Carlos, Escuela Nacional de Artes Plásticas, Galería Luis Nishizawa. ENAP.

2008 100 años de gráfica de Maestros de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Academia de San Carlos, Galería Jorge Alberto Manrique, Casa de Cultura, Presidencia Municipal de Celaya.

Cien años de Gráfica de Maestros de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Academia de San Carlos. Dirección de Asuntos Estudiantiles, Tecnológico de Monterrey. Campus Ciudad de México.

2007 La Magia del Universo. XV Exposición Colectiva. Hogar de la Misericordia.  Monterrey, Nuevo León.

Escenas Amorosas, Vestíbulo de la Biblioteca “Gregorio Torres Quintero”, Universidad Pedagógica Nacional.

Homenaje al Maestro Alejandro Alvarado Carreño (Grabador). Casa de Cultura de la Universidad Autónoma del Estado de México. Tlalpan.

2006 Morada del Alma, XV Exposición Colectiva. Hogar de la Misericordia. Monterrey,  Nuevo León.

2005                    “Los paisajes del deseo”. Museo Metropolitano de Monterrey, Ciudad de Monterrey.

Exposición Fundación UNAM, Club de Industriales, Ciudad de México.

Lourdes Sosa, Banco invitación, Ciudad de México.

“Encuentro de dos raíces”, Fomento Cultural Banamex, A.C, Club de Empresarios Bosques, Ciudad de México.

2004                    Siemens/Pintura abstracta mexicana, Galería Original Múltiple Vida inmóvil. Museo Metropolitano de Monterrey, Ciudad de Monterrey.

2003 Prodigios de fin de siglo. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Monterrey, N. L. México.

Sin motivos aparentes. Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público. Ciudad de México.

Trece creadores. Conaculta en San Carlos. Ciudad de México.

Contrastes. Teatro de la Paz. San Luis Potosí, México.

2002 Texturas, Tonalidades y Resonancias Latinoamericanas, una lectura de colección. FEMSA, Museo Nacional de Arte, Ciudad de México.

Los maestros de la ENAP, UNAM, Xochimilco, Ciudad de México.

2001 Imágenes del tiempo. Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Ciudad de México.

1999 Chicago at Navy Pier. Chicago Illinois, USA.

Colección Permanente. Museo de Arte Abstracto, “Manuel Felguérez”. Zacatecas, México.

Frente al umbral Antiguo Palacio del Arzobispado, SHCP, Ciudad de México.

Del desencanto a la armonía. Museo “El Centenario”, Monterrey, N. L. México.

1998 Subasta 98 MARCO-Sotheby’s. Monterrey / Nueva York.

Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Guadalajara, Jalisco. México.

Superficies Pintadas Espacios Imaginarios. Exposición permanente. Consulado General de México en Nueva York, Estados Unidos.

Pintores y Escultores Mexicanos Contemporáneos”. Galería de Arte Mexicano. Ciudad de México.

Ein Jahrhundert Mexikanischegraphik

Städtisches Kunstmuseum Reutlingen, Alemania.

1997 Premio MARCO, Monterrey, N. L. México.

Realidad y abstracción, Antiguo Palacio del Arzobispado, México. Exposición itinerante.

Gallerie Rahn, Zurich, Suiza

Casa de la Cultura de México. Washington, D.C., USA.

First Expressions, Gallery, Boston, MA, USA.

5 Pintores de la ENAP, INEGI, Aguascalientes, Aguascalientes, México.

Un río se abre a la mar, Antiguo Palacio del Arzobispado, Ciudad de México.

1996 Galerie Rahn. Zurich, Suiza.

Galería de Arte Mexicano. Ciudad de México.

La Presencia de San Carlos en Puerto Rico: Simposio Plástico. Puerto Rico, El Salvador, Guatemala, Belice y México.

El Olimpo. MARCO. Monterrey, N. L. México.

Premio MARCO” Monterrey, N. L. México.

1995 Del Deseo y la Memoria. Museo Amparo. Puebla. México.

Primer Salón de Arte Bancomer. Ciudad de México.

Homenaje a Juan Acha-Damián Bayón Subasta MARCO. Monterrey, Nuevo León. México.

Las múltiples caras del Romanticismo. Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México.

Premio MARCO. Monterrey, N. L. México.

1994 Memoria. Galería Juan  Martín, México, D.F.

La presencia de San Carlos en Puerto Rico. Simposio Plástico. Puerto Rico, El Salvador, Guatemala, Belice y México.

El Olimpo, MARCO, Monterrey, N. L. México.

Subasta MARCO, Monterrey, N. L. México

La Justicia. Universidad Autónoma Metropolitana, Ciudad de México.

En el Umbral del Siglo XXI. IMSS. Ciudad de México.

El Hombre y su Entorno. Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público. Ciudad de México.

1993 Colección-Exposición Permanente.

Residencia Presidencial de Los Pinos. México.

Cien Artistas Mexicanos. MARCO. Monterrey, N. L México.

The Remba Gallery. Los Ángeles, California. USA

Colección Permanente. Museo Universitario de Arte Contemporáneo. Ciudad de México.

Colección Pago en Especie. Centro Cultural de la Secretaría de Hacienda. México.

1992 CCXI Aniversario de la Academia de San Carlos. México.

Creadores en Movimiento. Museo Carrillo Gil. México. Centre Culturel du Mexique. París, Francia.

1991 La aparición de lo invisible” Museo de Arte Moderno, México.

1990 Homenaje a Paul Klee. Galería Juan Martín. México.

XXX Años del Museo Universitario de Ciencias y Artes. UNAM México.

1989 XXV Aniversario del Museo de Arte Moderno. México.

Centro Cultural ALFA, Monterrey, N. L. México.

“Homenaje a Fernando Gamboa”. Palacio Nacional de Bellas Artes. México.

Jacowitz Center. Nueva York. Estados Unidos.

Pieza del Mes. Museo Universitario del Chopo. UNAM, México.

1988 Facultad de Arquitectura. UNAM. México.

Museo de Arte Moderno. Oaxaca. México.

1987 Centro de Estudios Extranjeros. UNAM. San Antonio, Texas. Estados Unidos.

1986 XVIII Festival Internacional de la Pintura. Cagnes, Francia.

1985 Alternancias. Museo de Arte Moderno. México.

50 Años de Dibujo en México. Galería de Arte Mexicano. México.

México. The New Generations. Museo de Arte de San Antonio, Texas. Estados Unidos.

XVII Festival Internacional de la Peinture. Cagnes, Francia.

1984 Espacio Latinoamericano. París, Francia.

Galería de Arte Mexicano. México.

1982-1983 Contemporary Painters of Mexico. Los Ángeles, California. Estados Unidos.

1982 Mexican Contemporary Painting. Berlín, Alemania.

1981 Bicentenario de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. Academia de San Carlos. México.

1980 Panorama de la Nueva Pintura Latinoamericana. Argentina, Uruguay, Paraguay.

1978-1979 Mexican Today Simposium. Washington D.C., Atlanta, Nueva York, San Francisco. Estados Unidos.

1978 Cuatro Artistas Contemporáneos Mexicanos. Caracas, Venezuela.

La Nueva Acuarela. Palacio Nacional de Bellas Artes. México.

Bienal de Febrero. Museo de Arte Moderno. México.

1976 Geometrismo Mexicano. Museo de Arte Moderno. México.

Young Latin American Artists. Kingston, Jamaica.

BECAS Y RECONOCIMIENTOS ACADÉMICOS

2010-2013 Designado como Creador Artístico del Sistema Nacional de Creadores de Arte, “2010, Año de la Patria. Bicentenario del Inicio de la Independencia y Centenario del Inicio de la Revolución”

2010 Reconocimiento por su invaluable apoyo y solidaridad en la  realización de la exposición “Antonio Rivas Mercado Transición y Huella”

Reconocimiento por su valiosa participación en el programa de Taller de Producción de Contenidos Multimedia. Espacio de Vinculación A.C. y la Dirección de Contenidos Multimedia, ENAP/TELEVISA

2009 Premio Principe de Asturias de Comunicación y Humanidades, UNAM. Invitado a la Ceremonia de entrega del Premio en Oviedo, España.

2008 Reconocimiento por apoyar las actividades culturales en Jacona de Plancarte, Michoacán, con la exposición “Los artistas de la Academia de San Carlos en Jacona”.

Por su apoyo a la Asociación para recuperar niños robados y desaparecidos.

2007 Por su valiosa contribución en los proyectos de responsabilidad social corporativa en beneficio de la comunidad, Member of Deloitte Touche Tohmatsu.

Por su valioso apoyo y colaboración para llevar a cabo la exposición colectiva “El paso del tiempo”. Sala Pedro Patiño Ixtolinque, Escuela Nacional de Artes Plásticas, Academia de San Carlos.

Reconocimiento por su valioso apoyo para llevar a cabo un mural “Legado de Juárez” realizado en las instalaciones de la Escuela Primaria “Mtro. Enrique C. Rébsamen”.

2006 Reconocimiento por su participación en el Taller para el Diseño del Plan de Desarrollo de la Escuela Nacional de Artes Plásticas.

Reconocimiento por su participación como ponente en el Sexto ciclo de conferencias de Diseño y Comunicación Visual, Diseñando un Futuro Estable, con la conferencia “Procesos cooperativos en la creación y el diseño”

Facultad de Estudios Superiores Cuautitlán, UNAM.

Reconocimiento por la coordinación de la exposición “Shiori”, realizada en la Galería 2 de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM.

2005 Candidato al premio Nacional de Creación y Artes 2005, campo Bellas Artes.

Certificado Internacional de Excelencia Educativa, Consejo Iberoamericano en honor a la calidad educativa.

2004 Candidato al Premio Universidad Nacional 2004, Creación Artística y Extensión de la Cultura.

1997-2000 Designado como Creador Artístico por el Sistema Nacional de Creadores de Arte.

1995 Cursillo en   la Universidad Politécnica de Valencia, España.

1996 Postulado  por la Escuela Nacional de Artes Plásticas para el    Premio Universidad Nacional.

Reconocimiento Universitario a la Creación Artística y la Difusión de la Cultura, UNAM, México.

Reconocimiento a la labor creativa por el Rector de la UNAM.

Jurado de la Bienal del Museo de Monterrey, N. L, México.

1993-1996 Designado como Creador Artístico por el Sistema Nacional de Creadores de Arte.

1991 Premio París. X Aniversario Muestra Anual Cruz Roja Mexicana, Aeroméxico, Grupo de los Dieciséis.

1990 Becario como Creador Artístico por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

1981 Primer Lugar, en el Primer Concurso de Pintura Sahagún, México.

1980 Mención Honorífica. Salón Nacional de Artes Plásticas, sección de Pintura, Instituto Nacional de Bellas Artes, México.

1971 Premio en Diseño. Universidad Nacional Autónoma de México.

INVESTIGACIÓN Y DOCENCIA

Dentro de la categoría que actualmente tengo como profesor “C” de tiempo completo, instituí en 1996 el Seminario de Pintura Contemporánea en la Licenciatura en Artes Visuales. Después de casi 10 años de haber creado el primer Taller de Producción Profesional de Pintura, el Seminario de Pintura Contemporánea es básicamente un proyecto académico de especialización que se sustenta en estudios teóricos-históricos, que permitieran profundizar los conocimientos y la formación de la pintura. Así desde 1996, cuando comenzó el Seminario, se han investigado movimientos, corrientes y tendencias de la pintura contemporánea, sus poéticas, significados y contextos socio-históricos de la creación.

Paralelamente a estos estudios, los integrantes del Seminario han realizado un importante cuerpo de obra personal que permitió realizar diversas exposiciones individuales y un número considerable de exposiciones colectivas.

Ha concluido satisfactoriamente la tercera etapa del Seminario, la cual ha sido de suma importancia para la pintura joven de México, hecho que es por todos conocido, dada su importancia artística y educativa.

TUTORÍAS

2009 Ana Margarita Sumi Hamano Yabuta

2007 Lucia del Carmen González Ramírez

Jesús Luis Fernando Reyes Varela

2003-2006 Tutor en el Posgrado en Artes Visuales, ENAP-UNAM.

1999-2001 Participé como tutor en el Programa Jóvenes Creadores del FONCA en la disciplina de pintura.

Realicé la evaluación de más de 750 solicitudes de ingreso y realicé 57 tutorías (19 anuales), en tres emisiones anuales del programa.

Formé parte del Cuerpo Tutoral en 12 Encuentros en diferentes plazas del interior de la República.

1997-2000 Durante estos 4 años participé en el Comité de Selección del Programa de Apoyos para Estudios en el Extranjero, CONACULTA-FONCA.

DIRECCIÓN DE TESIS DE LICENCIATURA

2009 Carla Eloína Fuentes García

2007 Grissell Lechuga Lozano

JURADO EN EXÁMENES PROFESIONALES LICENCIATURA

2009 Gerardo Suzán Prone

Carla Eloína Fuerntes García

2008 Lola Sosa Valdés

2007 Rodrigo Imaz Alarcón

2006 Vicente Jurado López

2005 Israel Zamora López

Víctor Manuel Guerrero Díaz

Oscar Jiménez Bonilla

2004 Rodrigo Ayala Murúa Beltrán

Aidee De León De la Torre

Eduardo Olivares Martínez

Antar Mictlantecutli Alcántara Martínez

DIRECCIÓN DE TESIS DE GRADO

Cuarenta y siete participaciones como Director de tesis y Jurado en exámenes para Obtención de Grado, (se anexa relación).  A partir de 2004 a la fecha se relacionan a continuación:

2007 Arturo Rodríguez Döring

JURADO EN EXÁMENES DE GRADO

2009 José Eugenio Garbuno Aviña

Candidatura a Doctor en Historia del Arte. Coordinación del Programa de Posgrado en Historia del Arte, Facultad de Filosofía y Letras.

Andrés Díaz Guerrero Altamirano

Arturo Rodríguez Döring

2008 Alfredo Nieto Martínez

Guadalupe Inda Sáenz Romero

Raúl Méndez Cerqueda

Laura Alicia Corona Cabrera

Luis René Alva Rosas

2007 Olga América Duarte Hernández

Rafael Galván Montoto

2005 Carlos Cañedo Chávez

2004 Victoria Roestel Antigas

DOCENCIA EN EDUCACIÓN FORMAL

2002-2010 Profesor  Titular “C” de Tiempo Completo en el Programa de Posgrado en Artes Visuales ENAP-UNAM.

1992-2004 Seminario de Pintura Contemporánea, ENAP, UNAM, México.

1988-1992 Primer Taller de Producción (Pintura), ENAP-UNAM, México.

1980-1988 Profesor Definitivo de Investigación Visual (Pintura), ENAP-UNAM, México.

1975-1988           Profesor Definitivo de Experimentación Visual (Pintura), ENAP-UNAM, México.

1973-1982           Profesor Definitivo de Educación Visual ENAP-UNAM, México

FORMACIÓN DE RECURSOS HUMANOS

La formación de recursos humanos ha sido otra parte importante dentro de las actividades académicas en la ENAP. Del Taller de Pintura, el Taller de Producción y el Seminario de Pintura Contemporánea han egresado un considerable número de artistas visuales, los cuales realizan actividades docentes en diferentes instituciones educativas del país. A continuación se nombra a algunos de ellos:

Mtra. Martha Elsa Yañez Hernández

Dra. Carmen López Rodríguez

Mtra. María Eugenia Segovia Quintero

Arq. Ramiro Martínez Placencia

Mtra. Liz Mariana trejo Pereyra

Mtro. Carlos Cañedo Chávez

Mtra. Angélica Molina Parral

Mtra. Aidee de León de la Torre

Mtro. Miguel Ángel Ramos Hernández

Mtra. Elia Andrade Olea

Mtro. Gustavo Hernández Quiroz

Lic. Liliana Ang Collán Granillo

MIEMBRO DE JURADO EN CONCURSOS

2008 II Gran desfile “La noche de los Alebrijes”, Museo de Arte Popular, Ciudad de México.

2007 Primer Gran desfile “La noche de los Alebrijes”, Museo de Arte Popular, Ciudad de México.

Premio Nacional de la Juventud  2007, Distinción en Actividades Artísticas. Instituto Mexicano de la Juventud.

Miembro de Jurado de selección del 3er. Premio Unión Latina a la Creación Joven en Artes Plásticas, de carácter internacional y de periodicidad bienal, organizado por la Unión Latina con la colaboración del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Delegación  México.

Miembro de Jurado en el Concurso de ideas para la imagen institucional del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, a través de Fundación UNAM, A. C.

Miembro de Jurado del concurso de Diseño de la Imagen del Premio Nacional de la Juventud 2006. Salón de Murales del Instituto Mexicano de la Juventud.

2006 Miembro de Jurado del concurso de Moda Alternativa. Modales 2006, en el marco del programa El Museo fuera del Museo. Museo Universitario del Chopo.

Miembro de Jurado en la 1ª Bienal de Dibujo de las Américas Rafael Cauduro. Tijuana 2006.

2005 2º Premio Unión Latina a la Creación Joven en Artes Plásticas.

Comité  de selección, “Fin de generación 2005”, ENAP-UNAM.

2004 Jurado en el concurso para el diseño de la medalla conmemorativa PUMAS-UNAM.

Jurado del Premio Universidad Nacional y Reconocimiento Universidad Nacional para Jóvenes Académicos.

Jurado del Premio Unión latina a la Creación Joven en Artes Plásticas.

2002-2003 Miembro del Comité de Selección de Exposiciones del Museo de Arte Moderno, CONACULTA-INBA.

2002 Jurado del Premio Internacional de la Unión Latina. Lisboa, Portugal.

Jurado del Programa Educar por el Arte-CONACULTA-CENART-INBA.

Jurado en el Tercer Encuentro Estatal de Arte en Puebla. Puebla, México.

Jurado en la Selección de Becarios para el Programa de Creadores e  Intérpretes. Zacatecas, México.

Participación en la Organización del Programa de Intercambio México-Venezuela.

Integrante de la Comisión Evaluadora para las Residencias del programa de Intercambio México-Colombia.

Asesor artístico del Programa Learning Through Art de la Fundación Guggenheim en México.

2001 Jurado en el Encuentro de Arte del Noroeste. Monterrey, N. L., México.

2000-2001 Asesor de la Fundación Cultural Omnilife

Coordiné el International Studio Program de Nueva York, FONCA.

Formé parte de la Comisión Cosultiva de Selección y Dictaminación del Programa de Apoyo a Proyectos y Coinversiones Culturales, CONACULTA-FONCA.

Formé parte de la Comisión Consultiva para la selección y el ingreso al Sistema Nacional de Creadores de Arte en el CONACULTA en las emisiones 1998-1999 y 1999-2000.

INTERCAMBIOS

2009 Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 2009, otorgado a la Universidad Nacional Autónoma de México. Oviedo, España.

Universidad Autónoma de Tlaxcala.

2008 Instituto de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana.

2007 Universidad Técnica Particular de Loja, Ecuador, para concretar un convenio de cooperación interinstitucional con la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México.

Intercambio con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, España.

PARTICIPACIÓN INSTITUCIONAL-CUERPOS COLEGIADOS

(AÑOS RECIENTES)

2010 Miembro del Comité Editorial de la Escuela Nacional de Artes Plasticas.

2007-2010 Miembro de la Comisión Revisora del PRIDE de la Facultad de Arquitectura-UNAM.

2009 Asamblea General Ordinaria Consejo para la Acreditación de la Educación Superior de las Artes, A.C. Monterrey, N. L.

2008 Presidente de la Comisión de Difusión Cultural del Consejo                 Universitario. UNAM.

2007 1ª Reunión Plenaria de Colegios de Artes Visuales, realizada en el Centro de Extensión Taxco. Escuela Nacional de Artes Plásticas.

1ª Reunión Plenaria de Colegios de Diseño y Comunicación Visual, realizada en el Centro de Extensión Taxco. Escuela Nacional de Artes Plásticas.

Miembro de la Comisión de Difusión Cultural del Consejo Universitario.

Comisión Permanente de Planes y Programas de Estudio. Consejo Académico de Área de las Humanidades y de las Artes.

Comisión para la Conservación y Mantenimiento del Patrimonio Inmobiliario de la UNAM.

Comisión de Adquisición y Mantenimiento del Patrimonio Artístico CAMPA/UNAM.

2006 Miembro de la Comisión de Difusión Cultural del Consejo Universitario.

2003-2006 Miembro de la Comisión del PRIDE, CUEC-UNAM

Miembro de la Comisión del PRIDE, ENAP-UNAM

Miembro de la Comisión Dictaminadora de la carrera en Artes Visuales, ENAP-UNAM.

Consejero del Consejo Internacional de Programación de la Dirección General de Artes Visuales, UNAM.

Miembro del Consejo Académico de Proyectos, Dirección General de Artes Visuales, UNAM.

2002-2006 Consejero Universitario profesor propietario por la Escuela Nacional de Artes Plásticas.

Miembro de la Comisión de Difusión Cultural del Consejo Universitario.

1996-2002 Consejero Técnico propietario de la carrera de Artes Visuales, ENAP-UNAM

Representante del H. Consejo Técnico ante  el Comité de Evaluación de la Maestría en   Artes Visuales de la ENAP-UNAM.

Miembro de la Comisión permanente de trabajo académico del H. Consejo Técnico de la ENAP-UNAM

COMITÉS DE EVALUACIÓN DE PROGRAMAS INSTITUCIONALES

DE APOYO ACADÉMICO

2009                    Asamblea General Ordinaria, Plenaria, Consejo para la Acreditación de la Educación Superior de las Artes A.C. Monterrey, N.L.

2008                    Representante Legal de la Universidad Nacional Autónoma de México ante el Consejo para la Acreditación de la Educación Superior de las Artes, A.C.

2007 Comité Académico para la selección de exposiciones de la Dirección General de Artes Visuales de la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM.

2006 Comisión Dictaminadora de la Facultad de Arquitectura         2006-2008.

Secretario Comisión Evaluadora del Programa de Primas al Desempeño del Personal Académico del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM.

2006-2010 Comisión Evaluadora del Programa de Primas al Desempeño del Personal Académico de la Escuela Nacional de Música, UNAM.

2005-2006 Comisión Evaluadora del Programa de Primas al Desempeño del Personal Académico de la Escuela Nacional de Música, UNAM.

2003-2005 Miembro de la Comisión Evaluadora del PRIDE en la ENAP-UNAM.

Miembro de la Comisión Dictaminadora de la carrera de Artes Visuales, ENAP-UNAM.

2002 Miembro de la Comisión Dictaminadora de la Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda”.

2001-2004 Miembro de la Comisión Dictaminadora de la Escuela Nacional de Música, UNAM.

Miembro del Comité de Evaluación del PRIDE-CUEC-UNAM.

Miembro del Consejo Internacional de Programación de la Dirección General de Artes Visuales.

Coordinación de Difusión Cultural, UNAM.

2001 Comité del Premio PUNDJA en Arquitectura y Diseño, UNAM.

2000 Comité del Premio PUNDJA en Arquitectura y Diseño, UNAM.

1999-2000 Comité de Selección de Exposiciones de Pintura de la ENAP-UNAM.

1988-2005 Miembro del Comité del Programa PASPA (ante comité de becas).

1994-2002 Miembro del Comité de las Humanidades y las Artes del PAPIIT.

CONFERENCIAS

2009 “La melancolía y sus creadores”, Centro de las Artes II, Parque Fundidora en el Marco de los eventos de la XVIII Exposición Colectiva 2009 a beneficio del Hogar de la Misericordia. Monterrey, N.L.

“El arte, el diseño y la interdisciplina” Foro de Vinculación Empresarial, Emprendedores UNAM, Facultad de Contaduría y Administración. UNAM, México.

“Zen y Creación”, Encuentro de Ciencias Artes y Humanidades  en el Instituto de Fisiología Celular. UNAM, México.

“El estado actual de la pintura en México”, Encuentro para estudiantes y maestros  de pintura en  México”, a realizarse en el Instituto de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Chihuahua.

El Departamento de Educación Secundaria Técnica del Valle de México y la Escuela Nacional de Artes Plásticas presentan el ciclo: La Imagen Pretexto de las Artes Visuales con la conferencia “Abstracción  en el Arte”, Sala de Videoconferencias, Plantel Xochimilco.

2008                    Visita Guiada: Conversando sobre el dibujo, la carne y el color, actividad formativa y paralela a la muestra temporal La carne y el color, integrada por las  colecciones del Museo de Bellas Artes de Rennes y del propio Museo Nacional de Arte.

2007 “Van Gogh entre la discapacidad y la genialidad”, en el Marco de las Jornadas Universitarias de Arte y Discapacidad,  Sala de Videoconferencias, Escuela Nacional de Artes Plásticas. UNAM.

2006 Ciclo de Charlas “Los Creadores y su obra”, La práctica diaria de la pintura, Auditorio de la Ex-Hacienda del Chorrillo, Centro de Extensión Taxco, Guerrero. Escuela Nacional de Artes Plásticas. UNAM.

“Diseñando un Futuro Estable”. Sexto ciclo de conferencias con la ponencia  “Procesos cooperativos en la creación y el diseño”. Aula Magna de la  Facultad de Estudios Superiores Cuautitlán,  Campo Uno. UNAM.

Conferencia “De lo regional a lo Universal”, Galería de Arte Carlos Olachea Boucsiéguez, Unidad Cultural Prof. Jesús Castro Agúndez, Instituto Sudcaliforniano de Cultura, La Paz, Baja California Sur.

2004 “La vida artística”, conferencia en la Escuela de Pintura y Escultura, “La Esmeralda”.

“Vida Inmóvil” la naturaleza muerta en el arte contemporáneo, Museo Metropolitano, Monterrey, N.L. México.

2002 Conferencia, “El lugar de la pintura”, Museo de Arte Moderno,        Ciudad de México.

2001 Conferencia “El lugar de la pintura”, Museo Centenario, Monterrey, N. L. México.

Conferencia, “La abstracción en México”. Museo de Arte Moderno, Ciudad de México.

Ponencia, “Las expresiones artísticas en las funciones sustantivas de la UNAM”, Escuela Nacional de Música, UNAM. Ciudad de México.

2000 Conferencia, “Las humanidades  y las artes hoy”. Pinacoteca de León, Monterrey. N. L. México.

MESAS REDONDA PONENTE

2009 Mesa Redonda Ponente  “El Proceso Creativo en las Artes y la Ciencia”, organizado por el Taller Interdisciplinario 1, Sala de Videoconferencias, plantel Xochimilco. Escuela Nacional de Artes Plásticas.

Mesa Redonda Ponente “Ciencias, Artes y Humanidades ¿Mundos Separados?”, Auditorio Javier Barros Sierra, Facultad de Ingeniería, Ciudad Universitaria.

2008 Mesa Redonda “El arte en el cuidado y humanismo en las ciencias de la vida y la salud”, Auditorio Marina Guzmán Vanmeeter, Escuela Nacional de Enfermería y Obstetricia, UNAM.

2007 Mesa Redonda Ponente Bienes Culturales: Arte, letra impresa y patrimonio, Foro culturas en resistencia, La Agenda Pendiente: cultura, política y sociedad. Festival Internacional OLLIN KAN.

2006 Mesa Redonda Ponente “La Generación de los 70’s: Un momento de reflexión”, pintura, escultura, dibujo, grabado video instalación y arte objeto. Coordinación del Programa de Posgrado en Artes Visuales de la UNAM. ENAP.

2004 Mesa redonda, Homenaje al Mtro. Juan Acha, “La educación artística”, Academia de San Carlos.

2002 Mesa redonda “El coleccionismo en Monterrey”, Museo Metropolitano, Monterrey, N. L. México.

Mesa redonda, “Difusión de las actividades artísticas y humanísticas Generadas y realizadas en la ENAP-UNAM, Ciudad de México.

CURADURÍAS

2010 “El tiempo de la pintura”, Galería Luis Nishizawa. Escuela Nacional de Artes Plásticas. UNAM.

2009 “La melancolía y sus creadores”, Centro de las Artes II, Parque Fundidora en el Marco de los eventos de la XVIII Exposición Colectiva 2009 a beneficio del Hogar de la Misericordia. Monterrey, N.L.

2004-2006 “Los recursos del método”, estación del Metro Pino Suárez de la S.T.C. Ciudad de México.

“La luz del Sur, Pintura Joven Mexicana”, Casa Frissac, Delegación Tlalpan, Ciudad de México.

“Shiori, 1973-2005”, exposición in memorian, ENAP-UNAM, Ciudad de México.

2005 “Perfomagia III”. ENAP-UNAM, Plantel Xochimilco.

“Las texturas del pensamiento”, dibujos de Fernando Serrano Migallón, Academia de San Carlos, Ciudad de México.

“Los recursos del Método”, Pintura Contemporánea. ENAP-UNAM, Ciudad de México.

“Los paisajes del deseo”, exposición donativo. Museo Metropolitano de Monterrey. Ciudad de Monterrey.

2004 “Vida inmóvil”, La naturaleza muerta en el arte contemporáneo. Museo Metropolitano de Monterrey. Ciudad de Monterrey.

PRESENTACIÓN DE LIBROS

2011 “Performagia en la vida académica”. Museo Universitario del Chopo. Memoria de performagia

2010 “Resina copal y su inserción en nuevos aglutinantes para pintura” de María del Carmen López Rodríguez, Antigua Academia de San Carlos, Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM.

2009 “La palabra como signo creativo” de Joaquín Rodríguez Díaz, Auditorio “Francisco Goitia”, Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM.

Historia de la Escuela Nacional de Bellas Artes (Antigua Academia de San Carlos) 1781-1910 de Eduardo Báez Macias. (moderador). Antigua Academia de San Carlos, Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM.

Pop Art y Sociedad del Espectáculo de Jorge Juanes, Sala de Videoconferencias. Academia de San Carlos, en el marco de la Segunda Feria del Libro de Arte y Diseño 2009.

La Academia de San Carlos en el Movimiento Estudiantil de 1968.  Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

2008 Presentación del libro “Pantalla de cartón” de José Hernández,    Sala de Videoconferencias, en el marco de la Primera Feria del Libro de Arte y Diseño de la Escuela Nacional de Artes Plásticas.

Presentación del libro “Filosofía de la Imagen: Lenguaje, Imagen y             Representación” del Dr. Fernando Zamora Águila, Sala de Videoconferencias de la Escuela Nacional de Artes Plásticas en el marco de la Primera Feria del Libro de Arte y Diseño.

2007 Presentación de tres libros Museógrafos Mexicanos, Iker Larrauri,    Felipeli Lacouture, Alfonso Soto Soria, de Carlos Vázquez como moderador Mtro. Ignacio Salazar. Presentadores: Dr. José de  Santiago Silva, Mtra. Ofelia Martínez García y Mtro. Francisco Villaseñor.

“Arte Contemporáneo Latinoamericano, compilado por el Mtro. Álvaro Villalobos, editado por la Universidad Autónoma del Estado de México. Museo Ex-Teresa Arte Actual.

“Diles que no me maten”, Memoria del VIII Festival Universitario de Día de Muertos (2005), editado y publicado por la Dirección General de Atención a la Comunidad Universitaria,  en el marco de la XXVIII Feria Internacional del Libro, Palacio de Minería.

1999 “Teoría del dibujo, su sociología y su estética”. Juan Acha. Museo Tamayo, Ciudad de México.

Presentación del primer volumen del Programa Jóvenes Creadores en el Centro Nacional de las Artes, CONACULTA. Ciudad de México.

PUBLICACIONES

2010 Participación en el libro “Los elementos del tiempo y del espacio”, co el ensayo “Tiempo Espacio en las Artes”, Así mismo es miembro de dicho Seminario que se desarrolla en la Universidad Nacional Autónoma de México y el Instituto Panamericano de Geografía e História de la Organización de Estados Americanos (OEA)

Conocimientos Fundamentales para la Formación Artística.      Dra. Irma Leticia Escobar Rodríguez (Coordinadora). Colección Conocimientos Fundamentales. Universidad Nacional Autónoma de México.

2009-2010 La UNAM por México. Artes Visuales. Universidad Nacional Autónoma de México

2009 Memoria de Restauración 2000-2007 de las Antiguas Galerías de la Antigua Academia de San Carlos, Pasado y Presente. Dirección General del Patrimonio Universitario, Escuela Nacional de Artes Plásticas. UNAM.

“La impronta de los años”  de Adolfo Mexic.

2008 “JOSÉ DAMIÁN ORTIZ DE CASTRO EN LA ACADEMIA DE SAN CARLOS”

2001 SALAZAR, IGNACIO, “Siete Visitas”, Galería de Arte Actual Mexicano. Monterrey, N. L. México.

1999 ESTRADA, GERARDO, TERESA DEL CONDE y HANNA VAN DER HOOKE, Sobre la duda, de Ignacio Salazar, Museo de Arte Moderno. México.

1996 MORENO VILLARREAL, JAIME, y EDWARD J. SULLIVAN, Premio MARCO. Monterrey, N. L. México.

FRANCO CALVO, ENRIQUE, “Atmósfera como paisaje: la pintura de Ignacio Salazar”, en Revista de la  Universidad de México (pp.33-38), México.

1994 EDER, RITA, en El hombre y su entorno: Presencias en la Plástica del siglo XX (p.35), SCHCP. México.

SERRANO, FRANCISCO “La pasión de la luz”. Galería de Arte Mexicano, México.

SERRANO, FRANCISCO y TERESA DEL CONDE, “Ignacio Salazar”, Grupo Financiero Serfín, Colección Ábside. Arte Mexicano Contemporáneo.

1993 GELDZAHLER HENRY, JORGE GARCÍA MURILLO y GUILLERMO SEPÚLVEDA, “Ignacio Salazar-Exposición Retrospectiva”. Museo de Monterrey, N.L., México.

1991 RUY SÁNCHEZ, ALBERTO, “El reto profundo de Ignacio Salazar”. Galería de Arte Mexicano. Ciudad de México.

VARIOS AUTORES, “La aparición de lo invisible: Pintura Abstracta Contemporánea en México”. Museo de Arte Moderno, CONACULTA. México.

1990 BAYÓN, DAMIÁN y ROBERTO PONTUAL. “Une Flambee geometrique et informelle: La pentiure de L´Amerique Latine au XX siécle. Éditions Menges, París.

BAYÓN, DAMIÁN y GUILLERMO SEPÚLVEDA. “La Nueva encarnación de Ignacio Salazar”. Galería Arte Actual Mexicano. Monterrey, N.L., México.

VARIOS AUTORES. Museo de Arte Moderno: 25 años. CONACULTA, INBA. Banco Nacional de Obras y Servicios Públicos, México.

1988 TIBOL, RAQUEL. “Ascendencia estética de Ignacio Salazar”. Galería de Arte Actual Mexicano. Monterrey, N.L., México.

GERZO, GUNTER e IGNACIO SALAZAR. “Diálogo para catálogo”. Galería de Arte Mexicano. México.

1986 DEL CONDE, TERESA, ÓSCAR OLEA y BILL HARTLEY. “Catálogo”. Hartley Gallery, Winter Park, Florida, USA y Academia de San Carlos, UNAM. México.

MANRIQUE, JORGE ALBERTO. “El geometrismo en el Arte Mexicano”, Arte Contemporáneo IV, (tomo 16, pp. 2315), SEP, Salvat, Mexicana de Ediciones, S. A de C. V. México.

1984 DEL CONDE, TERESA. “Catálogo”. Galería de Arte Actual Mexicano. Monterrey, N.L. México.

1984 SEPÚLVEDA, GUILLERMO. “Catálogo”. Galería Arte Actual Mexicano. Monterrey, N.L. México.

1983 VARIOS AUTORES. “Antología del Fuego Nuevo, Nuevos Valores, Fuego Sólido, Ignacio Salazar”, (pp.83-86). Promoción Cultural A.C. Cía. Cerillera La Central, S.A. de C. V.

1981 DEL CONDE, TERESA. ”Ignacio Salazar en el Museo de Arte Moderno”. México.

1979 FELGUÉREZ, MANUEL. Catálogo para exposición. Galería Miró, Monterrey, N. L., México.

1977 DEL CONDE, TERESA. “Las jóvenes generaciones de Geometristas Mexicanos. El Geometrismo Mexicano”. (pp.82-84) Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, México.

1976 ACHA, JUAN. Catálogo para exposición. Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México.

ARTÍCULOS EN REVISTAS

2011 Revista Serendipia. Año II. No.23. septiembre-octubre 2011.

“El beso de mimí”.

Revista Serendipia. Año II. No.22. julio-agosto 2011.

“Los artistas y la muerte en México”.

Revista Serendipia. Año II. No.21. marzo-abril 2011.

“El espacio en la pintura”.

Revista Serendipia. Año II. No.20. enero-febrero 2011.

“¡¿Y la cultura ‘apá?!”

2010 Revista Serendipia. Año II. No.19. noviembre-diciembre 2010.

“El fracaso de la educación artística en México”.

Revista Serendipia. Año II. No.18. septiembre-octubre 2010.

“Tiempo en la pintura II”.

Revista Serendipia. Año II. No.17. julio-agosto 2010.

“Tiempo en la pintura I”.

Revista Serendipia. Año II. No. 16. Mayo-Junio 2010.

“El tiempo en las artes I”.

Revista Serendipia. Año II. No. 15. Marzo-Abril 2010.

“Las artes y el silencio”.

Revista Serendipia. Año II. No. 14. Enero-Febrero 2010.

“Ciencias, humanidades y artes”.

EL TIEMPO EN LAS ARTES.

Revista Serendipia. Año II. No. 17. Julio-Agosto 2010.

“TIEMPO EN LA PINTURA, parte I”.

Revista Serendipia. Año II. No. 18. Septiembre-Octubre 2010.

“TIEMPO EN LA PINTURA, parte II”.

Revista Serendipia. Año II. No. 19. Noviembre-Diciembre 2010.

“El fracaso de la educación artística en México”

2008 “En torno al silencio”. Programa Voces Académicas. Gaceta UNAM.

ENSAYOS

TEXTOS  EN CATÁLOGO

2011 “ Mujeres pintadas” Prólogo  exposición de Liliana Ang – Facultad de arquitectura sala “José Luis Benlliure. UNAM

“Presencias” Cassandra de Santiago, Museo Diego Rivera. Guanajuato.

2010 “Distancia”. Exposición de Silvia Andrade Sala 1. Academia de San Carlos.

El Tiempo de la Pintura. Exposición colectiva del Seminario de Investigación y Pintura Contemporánea. Galería Luis Nishizawa. Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM

Laura Rosete: Lo pequeño grandioso

2009 Homenaje a la Mtra. Leticia Moreno, Colectiva de Escultura, para celebrar el CCXXVII Aniversario de la Academia de San Carlos. Salas 1, 2 y Roberto Garibay. Academia de San Carlos, Escuela Nacional de Artes Plásticas.

Texto de Sala para el MACROPROYECTO “Desarrollo de nuevos modelos para la prevención y tratamiento de Conductas Adictivas con el proyecto “Visiones y Voces en torno a las Adicciones”.

“M3 + H2 = El Fuego, Todos los fuegos”. Museo La Casona Spencer, Cuernavaca Morelos.

Las Calizas Litográficas Mexicanas. Encuentro entre la Geología y el Arte. Centro Cultural Manuel Gómez Morín. Campus Juriquilla, Ciudad de Querétaro.

Las Calizas Litográficas Mexicanas. Encuentro entre la Geología y el Arte. Sala de Exposiciones A y B Palacio de Minería, Facultad de Ingeniería, UNAM.

Movimientos y enlaces entre la independencia, revolución y justicia. Suprema Corte de Justicia de la Nación.

2008 From this side, images on immigration from the United Status. University of Colorado en la Academia de San Carlos, México, D.F.

Exposición homenaje por sus 60 años de vida artística Adolfo Mexiac “Lo que ha marcado mi vida”. Pintura, gráfica y maquetas de proyectos de mural. Salas 1, 2, 3 y Roberto Garibay. Academia de San Carlos, Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM.

RAÍCES, Paráfrasis contemporáneas. Galería José Luis Benlliure, Facultad de Arquitectura, UNAM.

La Forma es el Vacio “Crónicas Tipográficas” diseño, dibujos y otras ocurrencias inútiles. Tecnológico de Monterrey, Campus Ciudad de México.

2007 Muestra Fotográfica “Visiones y voces en torno a las adicciones”. Facultad de Ciencias Políticas y Sociales e Instituto de Química.

DIEGO RIVERA Nacimiento de un Pintor,  DIEGO RIVERA, estudiante de San Carlos, Museo Mural Diego Rivera.

Exposición de Generación 2005-2007. Maestría en Artes Visuales, Arte Urbano, Diseño y Comunicación Visual, Escultura, Fotografía, Gráfica, Pintura. Salas 1, 2, 3 y Roberto Garibay. Escuela Nacional de Artes Pláticas, Academia de San Carlos.

“Contra la Guerra”. Colectivo Artnauts. University of Colorado at Boulder, pintura, dibujo, serigrafía, técnicas mixtas. Salas 1, 2, 3 y “Roberto Garibay”. Escuela Nacional de Artes Plásticas, Academia de San Carlos.

“Tiempo Gráfico”. Casa Museo León Trotsky.

Prólogo para carpeta gráfica “Libertad de Expresión”. Grabado en relieve de 42 x 32 cms. del Artista Adolfo Mexiac Calderón.

Encuentro de Culturas de 1982-1986 de Graziella Scotese. Estación del Metro División del Norte Línea 3, dirección Indios Verdes. México, D.F.

“Encuentro de Miradas” Retrospectiva de Manuel Felguérez, con motivo del CCXXV Aniversario de la Academia de San Carlos, Escuela Nacional de Artes Plásticas.

2006 “Instantes Suspendidos”, Julio Pastor. Casa del Risco.

“Especulaciones”, Rodrigo Imaz. Casa del Risco.

Exposición de Generación 2004-2006 G-VI Colectiva de la Maestría en Artes Visuales, Pintura, Esmalte, Electrografía, Dibujo, Papel hecho a mano, Fotografía, Escultura, Xilografía. Escuela Nacional de Artes Plásticas, Academia de San Carlos.

“Formas y Sombras”, Eduardo Antonio Chávez Silva. Galería José Luis Benlliure. Facultad de Arquitectura, UNAM.

“Sensitiva, Sensitive” de Carla Fuentes. El Museo Latino. Consulado General de México en San Antonio.

“El lugar de Shori”.

2005 “Las meninas”, Angelina Matute. Pinturas, Galería Balance, Ciudad de México.

2004 “El anhelo del vacío”, Gustavo Quiroz. Exposición de pintura. Colegio de Bachilleres, Ciudad de México.

2003 Exposición Colectiva del Seminario de Pintura Contemporánea. ENAP-UNAM, Ciudad de México.

MORAZÚA, GUADALUPE, “Espacios Convergentes, Stella Shapiro, Ciudad de México.

LEZAMA, INÉS, “El camino azul”, Casa Lamm, Ciudad de México, D.F

2002 ESCRIBANO, MARIANA, “La estructura del corazón”. Casa Jaime Sabines. México, D.F

2001 CAÑEDO, CARLOS, “Medida de cambio”. ENAP-UNAM. Ciudad de México.

2000 BALLESTER, CARLOS, “Los objetos y un artista”. Galería de Arte Actual Mexicano. Monterrey, N. L. México.

1993 MULLER, HEIKE, FES Cuautitlán, ENAP-UNAM.

CARDENAS FONSECA, EDUARDO. Galería Lourdes Chumacero, Ciudad de México.

“Dentro y Fuera”. Coordinación de Difusión Cultural, Casa del Lago, UNAM. Ciudad de México.

GUADARRAMA, JAVIER. Galería San Sebastián y Monterrey, N.L. México, D.F.

1992 GUADARRAMA, JAVIER. Colegio de Bachilleres, UNAM. Ciudad de México.

GALLEGOS, CLAUDIA. ENAP-UNAM. Ciudad de México.

GARCÍA, ULISES. ENAP-UNAM. Ciudad de México.

VELAZQUEZ, TERESA. ENAP-UNAM. Ciudad de México.

1991 CONTRERAS, RENÉ. ENAP-UNAM. Ciudad de México.

MANZANO, SALVADOR y DAVID KUMETZ. Alianza Francesa de San Ángel. Ciudad de México.

AYALA, RODRIGO. ENAP-UNAM. Ciudad de México.

CERVANTES, MAURICIO. Conjunto Cultural Ollín Yoliztli. Ciudad de México.

Ensayo para catálogo de la Exposición: La Aparición de lo Invisible, “Ecos del Espíritu”, Pintura Abstracta. Museo de Arte Moderno, Ciudad de México.

1990 GUTIERREZ, DIEGO. “Pintura silenciosa”. Centro Cultural San Ángel Ciudad de México.

PINTURA JÓVEN, Galería Carlos Olachea. La Paz, Baja California Sur, México.

UN TALLER. Conjunto Cultura Ollín Yoliztli. Ciudad de México.

1989 FUENTES, ARTURO. Escuela Nacional de Arquitectura, UNAM, Ciudad de México.

1988 GARCÍA CRESPO, ROSARIO. ENAP-UNAM. Ciudad de México.

RUIZ, MARGARITA. ENAP-UNAM. Ciudad de México.

1987 VARIOS AUTORES. “Manías”. ENAP-UNAM.

APARTADO, SARA. Casa del Lago, UNAM.

FELGUÉREZ, MANUEL. El Maestro. Revista de Comunicación Visual. Marzo-abril. Ciudad de México.

CRUZ, JAVIER. Galería Stela Shapiro. México.

ENTREVISTAS

2010 Periódico La Crónica. Acreditación de la Licenciatura en Artes Visuales. Lunes 22 de marzo de 2010. Año 14, No. 4919.

Gaceta UNAM. Número 4, 231, 16 de marzo de 2010. Acreditación de la Licenciatura en Artes Visuales.

Radio UNAM. Acreditación de la Licenciatura en Artes Visuales. 11 de marzo.

TV UNAM. Reinstalación del San Jorge de Donatello en la Academia de San Carlos. 4 de febrero de 2010.

Radio UNAM. Reinstalación del San Jorge de Donatello en la Academia de San Carlos. 4 de febrero 2010.

2009 Gaceta UNAM. Número 4,126. 8 de enero de 2009. Certificación de la Licenciatura en Artes Visuales de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM en el Nivel 1.

Canal 11.

2008 Entrevista relacionada con la publicación del libro Conocimientos Fundamentales para la Enseñanza Media Superior. Una propuesta de la UNAM para su bachillerato.

Boletín UNAM-DGCS-382. Creará la UNAM y la Delegación Xochimilco un corredor escultórico.

Boletín UNAM-DGSC-349. Reconocen a la ENAP de la UNAM como la mejor Escuela de Arte en México.

2007 Cadena tres de televisión. Entrevista sobre la Academia de San Carlos.

2006 “Día de Muertos”. National Museum Of Mexican Arts of Chicago. Gaceta UNAM.

Periódico El Sol de México. Sección Cultura y Sociedad. Exposición “Fotoerótica”. ENAP Xochimilco.

2000 SAENZ, INDA. El sedimento de la luz: La pintura de Ignacio Salazar. Magazine Adhoc. Octubre, México.

1994 BERDEJA, JOSÉ LUIS. Ignacio Salazar inaugura: La pasión de la luz. El Universal 6 de junio. México.

MONCADA, ADRIANA. Entrevista Uno más Uno. 14 de junio, México.

SANTIAGO, FRANCISCO. Entrevista Reforma. 23 de junio. México.

GARCÍA LINARES, YOLANDA. Entrevista Revista Impacto. 4 de agosto. México.

1993 DEL CONDE, TERESA. Pintura en los Pinos. La Jornada. 13 de noviembre. México.

1992 BASAÑEZ, DINORAH. Entrevista El Norte. Monterrey, N. L. 28 de agosto. México.

OLACHIA, JOSÉ ÁNGEL. Entrevista El Porvenir. Monterrey, N.L. 28 de agosto. México.

GALLARDO, EFRAÍN. Entrevista. Tribuna de Monterrey, Monterrey, N. L. México.

CARRILLO, ARACELY. Entrevista. El Diario de Monterrey. Monterrey, N.L. México. 18 de septiembre. México.

1991 GARCÍA SÁNCHEZ, JOSÉ. Entrevista Ovaciones. 10 de enero. México.

ORTEGA, ADRIANA. Bella Composición Visual de la Obra de Ignacio Salazar. El Universal. México.

MANRIQUE, JORGE ALBERTO. “Abstractos en el Museo de Arte Moderno”. La Jornada. 16 de octubre. México.

1990 TORRES PRUNEDA, DAVID. Entrevista El Porvenir. Monterrey, N.L. 11 de junio. México.

BLAS GALINDO, CARLOS. “Ignacio Salazar en Monterrey”. El Financiero. 29 de junio. México.

1987 Entrevista Gaceta UNAM. 5 de marzo. México.

RODRIGUEZ SOSA, GERMAN. Revista de Comunicación Visual. Mayo-junio. México.

RODRIGUEZ SOSA, GERMAN. Ignacio Salazar y la Energía Pura. Revista Claudia. Junio, México.

GONZÁLEZ QUIJANO, JOSÉ. Ignacio Salazar: regreso a la materia. El Universal. 17 de junio. México.

GONZÁLEZ QUIJANO, JOSÉ. Ignacio Salazar: Regreso a la materia II. El Universal. 18 de junio. México.

TIBOL, RAQUEL. Plano para paisajes, arquitecturas y escenografías. Revista Proceso. 13 de julio. México.

TORRESS MICHUA, ARMANDO. Ignacio Salazar. Revista de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM. México.

1986 DEL CONDE, TERESA. Ignacio Salazar en San Carlos. Uno más Uno, 22 de febrero. México.

LIZARDI, EDMUNDO. Ignacio Salazar: Pintor. Revista Claudia. Febrero. México.

HERNÁNDEZ, JOSÉ. Entrevista La Jornada. 24 de febrero. México.

1985 Entrevista Salazar evoluciona al color. El Porvenir. 18 de octubre. Monterrey, N.L., México.

IBARRA, AMERICO. Entrevista El Norte. Monterrey, N.L. 19 de octubre. México.

1984 TRAILL-HILL, JAMES. Salazar moves forward with Hartley exhibition, The Orlando Sentinel. Febrero. Florida, USA.

STEWART, LAURA. Panel paintings. The Orlando Sentinel. 7 de febrero. Florida, USA.

GONZÁLEZ QUIJANO, JOSÉ. Ignacio Salazar: perfección en la geometría. El Norte. 31 de marzo. Monterrey, N.L. México.

1981 MARTÍNEZ AGUAYO, LILIA. Expo de Ignacio Salazar. Excelsior. 9 de     marzo. México.

BUENO, MIGUEL. Formas conmutables de Ignacio Salazar. Novedades. 15 de marzo. México.

DEL CONDE, TERESA. México: Pintura Joven. Revista Plural. Julio. México.

1976 Exposición en Bellas Artes Salazar Ignacio. Gaceta, UNAM. 23 de enero. México.

TIBOL, RAQUEL. Arte y público. Excelsior. 18 de febrero. México.

CHELLET, MARÍA EUGENIA. Entrevista Revista Crítica Política. Mayo. México.

1973 CORNETT, MELODY. “UNAM Artists Exhibit Work. The News”. 6 de febrero. México.

FLORES, ANTUNEZ. “Entorno a los seis Expositores del IMNRC”. Novedades. 7 de julio. México.

JOYSMITH, TOBY. The Gallery Goer, The News. 22 de julio. México.

SAKAI, KASUYA. La técnica no lo es todo. Revista Plural. Agosto   México.

PROGRAMA DE RADIO

2008 “Las vidas y los proyectos que conforman nuestro ser universitario”.  Programa Perfiles. Radio UNAM.

2007 “La enseñanza del Arte y el Diseño en México”. Radio UNAM.

2006 “Arte y Ciencia”. Radio UNAM.

“Las escuelas de arte en la enseñanza en México”. Radio UNAM.

“Programa Perfiles”. Radio UNAM.

PROGRAMA DE TELEVISIÓN

2010 Segunda participación en Mirador Universitario de la Barra del ILCE en canal 22.

Dependencias coproductoras UNAM-CUAED-ENAP

Título de la Serie:            “Entre el encordado y lo acordado”. 2ª Temporada

Subtítulo: “Por el  arte y el diseño le hacemos la lucha”

Título del programa: Lucha de Escuelas Artísticas

Número de sesión: 1

Coordinador Académico: Mtro. Ignacio Salazar Arroyo

Responsable: Mtro. Gerardo García-Luna Martínez

Conductores: Mtro. Ignacio Salazar A.

Programa de TV UNAM. Exposición Antonio Rivas Mercado “Transición y Huella”. La Escuela Nacional de Artes Plásticas en colaboración con la Fundación Rivas Mercado, A.C. 11 de marzo.

2009 “Las mañanas en el Once”

2008 Como Coordinador Académico y Conductor de la serie “Entre lo  encordado y lo acordado”. Por el arte y el diseño le hacemos la lucha. Mirador Universitario. Barra de Televisión Educativa, coproducida entre la Escuela Nacional de Artes Plásticas y la Coordinación de Universidad Abierta y Educación a Distancia de la UNAM.

Programa Especial con motivo del Cuarto Aniversario de “Mirador Universitario”, Barra de Televisión Educativa de la Coordinación de Universidad Abierta y Educación a Distancia.

2007 Primera participación en Mirador Universitario de la Barra del ILCE en canal 22.

Dependencias coproductoras: UNAM-CUAED-ENAP

Serie: El arte y el diseño en cuatro estaciones

Título del programa: La pintura “El origen y la referencia”

No. de programa o capítulo: 1ª Serie de 5 programas

Coordinador Académico: Mtro. Ignacio Salazar Arroyo, Mtro. Gerardo García-Luna Martínez, Lic. Santiago Ortega Hernández

Conductores: Mtro. Ignacio Salazar A.

ADQUISICIONES-COLECCIONES

(selección)

–     Museo MARCO. Monterrey, N.L. México.

–     Museo de Monterrey. Monterrey, N.L. México.

–     Museo de la Estampa. Ciudad de México.

–     Colección FEMSA, Monterrey. N.L. México.

–     Colección Residencia Oficial de los Pinos. Ciudad de México.

–     Mural para el Grupo Industrial ALFA. Monterrey, N.L. México.

–   Mural, Museo de Geología-UNAM. Ciudad de México.

–     Museo de Arte Moderno. Ciudad de México.

–     Centro de Arte Moderno. Guadalajara, Jalisco. México.

–     Museo del Palacio de las Bellas Artes. Ciudad de México.

–     Fundación para la Promoción de las Artes. Monterrey, N.L. México.

–     VITRO CO. Monterrey, N.L. México.

–     PROTEXA CO. Monterrey, N.L. México.

–     HYLSA CO. Monterrey, N.L. México.

–     CERILLERA LA CENTRAL. Ciudad de México.

–     CYDSA CO. MONTERREY N.L. México.

–     De Acero. Monterrey, N.L. México.

–     Banco del País. Monterrey, N.L. México.

–     Banco Nacional de México. Ciudad de México.

–     Visa Group, Monterrey. N.L. México.

–     Tupperware International. Orlando, Florida. USA.

–     Spectrum Atelier. Orlando, Florida. USA.

–     Financial Security Corporation of America. Maitland, Florida. USA.

–     Philip Crosby and Assoc. Inc. Winter Park, Florida. USA.

–     Barnett Bank. Florida. USA.

–     Citibank. New York. USA.

–     Oppenheimer Bank. New York. USA.

–     Museo Tamayo. Ciudad de México.

–     Consulado de México en New York. USA.

–     Philip Morris. Ciudad de México.

SIMPOSIO

2009 V Simposio  Posgrado en  Artes Visuales.  El  Arte y el Diseño. Producto de la Investigación Creativa. Auditorio Alfonso Caso, Ciudad Universitaria y Auditorio Francisco Goitia, Escuela Nacional de Artes Plásticas.  Organizado por la Coordinación del Programa de Posgrado en Artes Visuales.

2008 IV Simposio. Procesos Creativos en las Artes Visuales, el Diseño y la Comunicación Visual. Facultad de Arquitectura, UNAM.

Simposio Interno. Instituto de Química, UNAM.

2007 Tercer Simposio “Investigación en Arte y Diseño ¿Conciliación o Distanciamiento en la Práctica y la Teoría?, organizado por la Coordinación del Programa de Posgrado en Artes Visuales. Escuela Nacional de Artes Plásticas, Facultad de Arquitectura,  Ciudad Universitaria.

2006 II Simposio “Imágenes visuales y expresión en la actualidad: sus implicaciones culturales, educativas y teóricas”, “Imágenes visuales y expresión en la actualidad: sus implicaciones culturales, educativas y teóricas. Sala Enrique Yañez. Organizado por la Coordinación del Programa de Posgrado en Artes Visuales,  Escuela Nacional de Artes Plásticas. Sede: Facultad de Arquitectura,  Ciudad Universitaria.

La transdisciplina en el Arte CCXXV Aniversario de la Academia de San Carlos. Sede Academia de San Carlos, Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM.

I Simposio “Las Nuevas tecnologías y su inserción en la plástica tradicional”. Organizado por la Coordinación del Programa de Posgrado en Artes Visuales, Escuela Nacional de Artes Plásticas, Facultad de Arquitectura, UNAM.

CONGRESOS

2009 La Escuela de Arte del Siglo XXI. Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Aula Magna del Centro Nacional de las Artes. “Mesa de Discusión”.

DEBATE

2008 Debate Universitario sobre la Reforma Energética. Mesa 14: Exploración y Explotación en materia petrolera. Moderador. Auditorio Alfonso García Robles. Centro Cultural Universitario  “Tlatelolco”.

El beso de Mimí

El beso de Mimí

Las imágenes artísticas se multiplican por miles diariamente, su proyección a través de todo tipo de medios es vertiginosa y van desde la fotografía fija o en movimiento, pasando por todo tipo de impresos y bifurcándose por medio de la red a decenas de miles de cibernautas quienes los registran, almacenan o desechan.

En estos escenarios casi caleidoscópicos se van insertando las estrategias culturales que definen las constantes transformaciones en nuestros modos de ver e interactuar como sociedades.

En esta vasta diversidad los diseños han ido construyendo modos cada vez más efectivos para persuadir y conducir a las masas. Las posibilidades de resistencia y contención ante las interminables avalanchas de imágenes son pocas y podríamos pensar que resultan ilusorias. No podemos detener a los sofisticados instrumentos de penetración cultural que a cada paso nos envuelven y quedan como marcas de fuego en la mente.

Es importante observar y reflexionar, dentro de este universo de imágenes que componen el mosaico de la contemporaneidad visual, a una derivación de la pintura que durante siglos construyó imágenes mentales a partir de la historia y la literatura o las narraciones orales, me refiero a las ilustraciones. Desde Egipto hasta el Renacimiento, pasando por el Medioevo hasta la Modernidad, las ilustraciones caminaron a la par del grabado, la pintura y el dibujo para construir la estética que sensibilizaba a las sociedades; sin embargo, lo que era un atributo propio de la cultura, devino en este caso, en un pernicioso instrumento de control.

Al visitar en Estados Unidos la Florida, donde se encuentra Orlando, es difícil resistir el impulso de visitar el mundo de Disney. Desde la llegada al areopuerto, se va construyendo inteligentemente un tobogán de calles, avenidas, restaurantes y parques temáticos que conducen finalmente al viajero a la meca de las ilusiones: Disneyworld, donde es preciso hablar de entretenimiento cultural; pero no solamente por que hoy cualquier entretenimiento o diversión forma parte de la cultura, sino por que este parque, que ha aspirado a convertirse en un mundo de diversiones, pretende implantar la diversión, como una forma más que define el terreno de la cultura. Las diferentes regiones que configuran este reino mágico reactivan exactamente igual que ciertos comerciales o producciones televisivas, un viejo trasfondo cultural estratificado en nuestro imaginario no solo occidental, sino desde hace décadas, mundial.

Todo lo que antaño se depositaba en cada uno de nosotros por medio de los libros y cuentos, los mitos con los que nos criaron en nuestra niñez, se encuentran en un gran espacio norteamericanizado, donde, desde la límpida entrada uno es conducido, paso a paso, hasta la gran plaza, donde parte una avenida repleta de banderas, con sus respectivas barras y que enmarcan desfiles interminables matizados con canciones, cuyas letras nos hablan de la “beautiful America” y la libertad y democracia que pregona tanto el Pato Donald o Mimí. La campana de la libertad inicia el recorrido hacia la rotonda, desde donde se parte hacia las diferentes tierras en que se divide el reino mágico.

Cada adulto que acompaña a los niños, revive sus más íntimos recuerdos, que almacenados desde la infancia, son hábilmente resucitados por Tribilín o Pluto; el adulto regresa al calor de su niñez y siente la delicada suavidad del modo estadounidense que se hace presente a cada paso. Las huellas dejadas en la mente infantil son las que determinan en buena medida la condición de nuestras acciones, ¡y bien sabemos lo maleable que es la mente de un niño!. No conoce de oscuras intenciones, de mentiras y engaños y menos de crear formas de conducta que informen y conduzcan a los grupos sociales a devenir en conglomerados altamente predecibles.

Al observar los rostros de los visitantes al mundo mágico de Disney, los más emocionados parecían ser los adultos, quienes hacen toda suerte de esfuerzos por alentar a los niños a seguir adelante en la búsqueda de la felicidad. Esta aldea de plástico, globalizada y hedonista, encuentra un modelo vecino llamado EPCOT Center donde conviven en armónica hermandad países de los cinco continentes, donde nuevamente la globalización es catalizada a través de las marcas emblemáticas de las principales transnacionales estadunidenses.

En el mundo de Disney, la mente regresa a la felicidad de lo suave y limpio, no debe haber preocupación por la miseria ni el hambre y menos por la enfermedad y la muerte, no hay mejor antídoto contra la angustia que un abrazo a Mickey Mouse. Esta industria cultural, inteligentemente diseñada, tiene sus orígenes en los años treinta con el cine como herramienta, para entretener a un mundo deseoso de evadir las condiciones de su existencia, a través de una poderosa fuerza cultural.

Sentado en una banca y observando el paso de miles de visitantes de diferentes naciones, podemos recodar cuando les pusieron a los franceses el EuroDisney y que los intelectuales se sumaban a la ola de protestas ante este “Chernobyl cultural” ante el cual, finalmente, no tuvieron más que aceptar que un coloso cultural de estas dimensiones les habían ganado la partida nuevamente, y ahora la suavecita voz de Mickey hablaba francés. Así, lo mismo en Japón y en cada hogar del planeta se encuentra un tierno personaje de Disney como propaganda.

Durante el gobierno de Salvador Allende, el escritor chileno Ariel Dorfman publicó Cómo leer al Pato Donald, junto con el sociólogo belga Armand Mattelart. La empresa Disney intervino e incautó los ejemplares acusándolo de violación a los derechos de autor. Este libro, si mal no recordamos, protestaba contra la distracción como forma de vida, donde el último sentido de la existencia es divertirse. En aquel libro se llamaba a reflexionar sobre otra forma de vida: la Revolución Socialista.

Este sentido de la diversión como forma compulsiva de la evasión existencial, tiene en Disney, uno de los más conspicuos ejemplos para infantilizar a las masas, donde la manera cultural estadunidense puede tocar mecanismos incrustados en lo más profundo de nuestro ser.

Al terminar los espectáculos por la noche, se realizan los desfiles de carros alegóricos tematizados por las películas o por los personajes de este mundo ilusorio. El visitante se encuentra totalmente embotado y con un ruido mental que le va a costar semanas disolver; tal vez nunca lo olvide y tenga por siempre las tontas tonaditas de “it’s a small World” como una reverberación sin fin o, peor aún, recuerde por siempre el beso de bienvenida al parque de Mimí.

El visitante pasa así, un día en un mundo sin conflictos graves, atendido por chicos lobotomizados y con la mirada perdida, dentro de un mundo de risitas tontas, un mundo donde la más importante decisión es a qué jugar, como distraerse y evadir cualquier acercamiento a la conciencia de la realidad. No es fortuito que la simpática y suavecita utopía de Disney crezca más día con día, se difunda, y prospere como una invencible fuerza cultural.

Sólo la introspección y sensibilidad hacia lo esencial de lo humano, sólo la preservación de los valores culturales, sólo la solidaridad social a través de la diversidad y el respeto cultural, nos ayudarán a no quedar sepultados por el alud de mentiras ilusorias.

Ignacio Salazar.

Los artistas y le muerte en México

LOS ARTISTAS Y LA MUERTE EN MÉXICO

Si le dices: “Vuelve más tarde”,

Se apresurará a llevarte consigo.

Dile mejor: “No estaré en casa hasta los 99 años”.

SENGAI GIBON (1837)

Aparecen en los billetes mexicanos de quinientos pesos los retratos de Diego Rivera y en el reverso Frida Kahlo, y recordamos que en las monedas en papel de otros países, en especial Europeos, aparecían antes del Euro, los rostros de científicos, artistas y personajes históricos relevantes en las historias de esas naciones. El billete es en ocasiones una obra de arte en si, gracias a su diseño y su compleja composición. Al añadir al papel moneda los rostros de relevantes personajes, encontramos una obra con buena calidad en varios sentidos. En muchas ciudades del mundo, hay salas de conciertos, teatros, bibliotecas, centros culturales, museos, casas, calles, plazas, monumentos, jardines etc. etc. que llevan los nombres o imágenes de artistas que han destacado y aportados significativas contribuciones a las artes, en las épocas que les ha tocado vivir. Están a la par de los héroes y libertadores, y crean un conjunto equilibrado de referentes, con el fin de incrementar la identidad histórica y la personalidad de esos países.

En México, en raras ocasiones han aparecido artistas en sus monedas, tal vez es la primera vez que esto sucede. En relación con otros personajes que han contribuido a la creación de la Nación, el número de artistas es muy reducido, así que Rivera y Kahlo vienen a ser lo que parece  un extraño caso de reconocimiento a esta pareja de pintores.

¿Qué sucede con los miles de creadores que a lo largo de los últimos siglos han realizado importantes obras, y al morir, desaparecen ellos y su arte? Simplemente no existieron. Tal vez hubo varias Sor Juanas, muchos talentosos arquitectos, grandes músicos, dramaturgos, fotógrafos, poetas… incontables artistas que se desvanecieron entre el anonimato y el tiempo.

Cabe preguntarnos si esto es causa de un infortunio en sus vidas, la respuesta es dolorosa, pero es sí. Una vez más en buena medida es responsabilidad de la perniciosa ignorancia de los gobernantes y administradores de la educación y la cultura, quienes a lo largo de décadas, cegados por la ilusiones de sus efímeros poderes, no supieron de la existencia de la artes y el cuidado de los preciados valores culturales.

Relevantes creadores mueren en México con el dolor que anticipa su desaparición física y la de su obra. Esos artistas que fallecen en el anonimato, fueron construyendo junto con sus obras, anhelos y expectativas con el noble deseo de compartir sus creaciones, y lograr difundir la esencia del espíritu que les impulsó en vida: la construcción de la vital trascendencia que a través del arte, significa vivir.

El reconocimiento en vida significa una lucha intensa en la etapa creativa.  Es un fuerte impulso derivado del ego. La obra se crea como un producto del yo y aparece la unidad artista – obra . Al fundirse el creador y su obra en una sola entidad, surge una fuerte energía cargada de deseos por el reconocimiento de esa unidad, reconocer su importancia y singularidad en un entorno histórico, social y cultural. A la par permean los deseos de fama o fortuna, y estos con el tiempo crecen sin encontrar nunca la satisfacción.

La vida artística aspira a la trascendencia. Después de la muerte se anhela la continuidad de lo hecho a través de la sobrevivencia de la obra creada, su difusión y la revaloración de la misma. Esta ilusión no es particular de los creadores artísticos, yace en el continuo mental de todos los humanos y de todos los tiempos, sin embargo, hay un impulso a considerar la preservación de los bienes culturales y artísticos con el fin de mantener el complejo universo de las civilizaciones para la posteridad.

Morir es el hecho más importante de la existencia, es junto al nacimiento el complemento de un ciclo que define al universo en todas sus dimensiones. En un lado de la moneda, morir se acerca a la pérdida, en el otro lado de la moneda, el renacimiento, y sólo queda en el aire la posibilidad de considerar a la muerte como el gran triunfo de la vida, o el fin de un trayecto sin huella.

La vida artística, es una intricada red de misterios que van llevando a los artistas hacia la plenitud y actualización de todas sus capacidades, por medio de los actos creativos  en el transcurso de una vida. Ciertos artistas, alcanzan la plenitud de sus realizaciones, y su propia vida se transforma en una obra de arte. Aquí se disuelve la dualidad artista-obra y se crea la unidad de ambas.

Vivir el arte es transitar una difusa bruma existencial que camina a través del sueño y la vigilia.

Morir creando arte, lleva una intima y silenciosa súplica: aun no, todavía falta mucho por hacer. Todo artista requiere varias vidas para poder crear las infinitas imágenes mentales de las obras que yacen almacenadas, y desean salir a la vida. El tiempo de vida acaba, y se llega hasta donde había que llegar.

Queda la ilusión del reconocimiento a lo creado y su posible inscripción en la historia del arte. Muy pocos ven logrado después de la muerte, su testamento artístico, la enorme mayoría desaparece junto con toda sus creaciones, pero existe la posibilidad que el tiempo rescate y revalore su vida y obra…raros son los casos.

México ha perdido la oportunidad para reconocer y valorar las magnificas obras, de cientos de creadores que, en el transcurso de siglos han construido el alma del país.

La mayoría han desaparecido junto con sus obras y no serán considerados ni revalorados para ningún objeto ni hecho histórico.

Ignacio Salazar

El espacio en la pintura

EL ESPACIO EN LA PINTURA

La capacidad de ver, hace que el arte se convierta en una magnifica experiencia circular que se dirige hacia decenas de direcciones; nuestras sofisticadas habilidades perceptuales se encuentran más allá del acto de percibir y hacer arte, e inevitablemente se concretan en un objeto u obra que pretende alcanzar un sentido de totalidad. El arte aspira a ser un todo comunicable, pero la percepción tiende a la fragmentación de lo que se ve, y ésta se acomoda en los terrenos de la auto complacencia. Fundamentalmente el artista trata de crear y recrear todo lo que le circunda en relación a su cuerpo y mente.

Fig. 3 Esfera de Leonardo

La pintura por definición se construye a través de diferentes conjuntos espaciales que deben completar un sentido esférico-espacial, que es contenido y acotado en una superficie bidimensional; en la cual se pretende crear un sentido de totalidad más allá de los límites del soporte. Sin embargo, estos alcances de la percepción son delicados y resultan frágiles e incompletos en una exposición literaria o verbal, son algo sutil que se desarrolla a través de muchos años de ver y aprehender a la pintura.

Tres buenos modelos de comprensión afines a este sentido de totalidad esférico-espacial, son las pinturas rupestres de Lascaux en Francia, la capilla Sixtina en Roma, Italia, y de aquí nos adentramos a una pintura que es por su excelencia, una esencia de especialidad: Alegoría de la Pintura de Vermeer, donde la bidimensionalidad tradicional, explota en un prodigio de artificios espaciales.

En las cuevas de Lascaux (17,000-14,000 a.C.) confluyen varios elementos que participan en la creación de una serie de experiencias transformadoras (en los sustratos sutiles de la mente), para quienes tuvieron la oportunidad de vivir estas silenciosas cámaras antes de su cierre, o visitar su cuidadosa reconstrucción en una replica cercana. Este complejo “museo permanente” contiene cerca de dos mil pinturas, relieves y esgrafiados, creados por muchos pintores, hombres y mujeres, a lo largo de décadas o tal vez siglos. Lascaux en su conjunto asemeja una equis; está compuesto de siete salas con diferentes alturas, anchos y profundidades, en las que en una innumerable cantidad de superficies, aparecen signos abstractos, personajes, manos, marcas no traducibles y animales. El sentido espacial de las salas es marcadamente discontinuo en varios sentidos, las formas se adosan a todas las superficies (grietas, hendiduras, áreas cóncavas y convexas, pisos, paredes y techos). Pero hay una serie de espirales virtuales que van apareciendo en consonancia con las paredes tipo túnel, las cuales corren de arriba hacia abajo y viceversa, en perfecta adaptación a las curvas de la caverna, las distancias y texturas.

En Lascaux existe una gran rotonda (Sala de los Toros) que tiene cerca de diecisiete metros en su base, donde encontramos aproximadamente ciento treinta figuras, tanto representativas como geométricas y abstractas. El conjunto de este salón, es una  erupción de formas que surgen a partir de la altura de una persona, las cuales van girando y ascendiendo hacia las irregularidades del techo. La mayoría de las figuras son caballos que aparecen en fragmentos, escorzos, y vistas desde diferentes ángulos; en algunos, las síntesis de su representación es hábil y sofisticada. Es sorprendente que podamos descubrir, aun para los diecisiete mil años de distancia temporal, la gran destreza visual y manual de quienes pintaron y tallaron estos espacios. La galería debe su nombre a cuatro toros (uros), toros salvajes ahora extintos, cuyos tamaños son cercanos a los que deben haber tenido en realidad; se encuentran rodeados de símbolos abstractos, principalmente puntos, líneas y manchas. Superpuestas y adyacentes hay dibujos y pinturas de venados y caballos pequeños. Buena parte de estos animales se realizó rociando los pigmentos a través de instrumentos rudimentarios (juncos, carrizos, huesos, etc.), y existen indicios que fueron aglutinados con grasas animales, agua y saliva humana.

Los cuatro toros y las subsecuentes figuras que fueron añadidas al paso de los años, crean un sentido de totalidad espacial derivada de una compleja composición que presenta una conspicua disposición de secuencias asimétricas, la cual presenta un sentido de marcha, dirigida por las formas sobre las superficies en las rocas; la marcha incrementa de manera dinámica la espacialidad de las curvas en la sala y la bóveda. Esta Sala de los Toros con el conjunto de las otras seis cámaras, muestra el sentido totalidad esférico-espacial en la pintura…espirales que crean espacio en el inicio de los tiempos del arte.

Una de las obras capitales del Renacimiento, es La Capilla Sixtina. Un gran remolino compuesto con miles de elementos en continúo movimiento y en todas direcciones; es el espacio donde todo surge de los muros, se esconde tras los muros (¿qué hay detrás de las aparentes cortinas que rodean los muros laterales del primer nivel?) y se detiene en ellos. Estas superficies dispuestas a entregar y recibir a las formas, colores y toda clase de elementos, surgen de un suelo configurado por medio de patrones abstractos compuestos de mosaicos blanco y negro, nudos, trenzados y ondulaciones en disposición de un aparente tapete que sólo es visible por medio de alguna reproducción, ya que el propio cuerpo y los visitantes ocultan este amplio piso, y el aplastante conjuntos de muros y bóvedas pintadas, hace casi imposible pretender otear esta gran obra de cerámica y piedras.

En los muros, encontramos varios tipos de superficies, pero dominan dos: planos y concavidades, las primeras dominan los tres primeros niveles de la Capilla y es en el techo, donde las superficies se transforman en pechinas, medias lunas, planos curvos y toda una serie de nichos virtuales que reciben a un buen número de personajes bíblicos y mitológicos. Estas superficies donde se despliegan escenas basadas en la Biblia no tienen una lectura lineal, ya que cada fragmento presenta un sentido de totalidad en su semántica; y la composición gira en torno a este propósito; esto se evidencia en el segundo nivel de la Capilla, donde doce murales de diferentes medidas se distribuyen a los lados y a todo lo largo de los muros mayores; éstos se encuentran divididos por columnas decoradas donde cada mural despliega sus espacialidades desde diferentes ángulos de visión, pero tomando en consideración la perspectiva clásica como eje rector de las doce grandes pinturas.

El tercer nivel se configura en tres de sus lados (el muro de la entrada y los dos muros laterales) por veintiocho nichos pintados que contienen a los padres de la Iglesia; entre cada par hay una ventana con un nicho real en forma similar al nicho adyacente. A partir del remate del tercer nivel en los tres muros, inicia el complejo conjunto de espacialidades del techo y el gran muro posterior al altar. Es en la bóveda que las lecturas se abren a toda clase de ángulos de visión espacial, ya que los escorzos se encuentran en diferentes posiciones y esto obliga a generar un conjunto de movimientos corporales, circulares, del espectador al tratar de leer a cada personaje y su significado. Nuevamente reverbera Lascaux en la Sixtina. En ambos lugares aparecen las superficies “arquitectónicas” en forma de túnel, obligando a ver estos espacios, como remolinos que se mueven en consonancia con las superficies reales que las contienen.

El conjunto del Juicio Final presenta una lectura frontal dividida en cuatro niveles que se pueden recorrer de forma aleatoria en sus diferentes contenidos; nuevamente los escorzos se traman con las figuras frontales formando conjuntos en torno a la figura principal (Cristo) que recibe (a la altura del tercer nivel, de abajo hacia arriba) cuatro semicírculos de personajes que se dirigen hacia él, en forma de peregrinación en perspectiva.

Esta gran obra, testimonia el poder de la pintura occidental y refrenda los postulados de las dimensiones espaciales generadas por los modelos grecolatinos.

Alegoría de la Pintura (Johannes Vermeer, 1632-1675). Es un amplio discurso sobre la elocuencia del espacio en una obra de caballete, ya que al conjugar tres partícipes relevantes en una obra, condensa las dimensiones de los amplios atributos de la visión en la pintura. Estos actores son: el pintor, la modelo (Clío) y el estudio; los actores secundarios, no menos importantes, son los elementos que forman una discreta interacción con los participantes principales.

Abre la obra una pesada cortina, pintada con gran cuidado en trama y textura; los patrones del textil aparecen y ocultan los pliegues de la tela que pende de la parte superior izquierda. Una continua sucesión de puntos, va trazando los colores, líneas, sombras y luces con un cuidado extremo, propio de la visión creada a través de una lente de aumento (cámara oscura) en sintonía con el afilado ojo del pintor. Esta cortina y su invitación a ingresar al cuadro, es la introducción al debate de los espacios que se lleva acabo en el interior del estudio del pintor. Ahí se inicia la estructura de direcciones y distancias entre cada objeto; sigue una silla en ángulo hacia el pintor, pero a la vez abren dos direcciones, una hacia la izquierda y otra a la derecha de la habitación. A la izquierda, sigue una mesa con telas y una máscara dirigida a la ventana oculta tras la cortina introductoria; atrás de la mesa se encuentra Clío, la cabeza coronada con laureles, el cuerpo de lado y el rostro girado hacia el espectador; sosteniendo una trompeta y un volumen de Thucydides que apuntan junto con su cuerpo, hacia la oculta ventana: direcciones de espacios virtuales, apenas señalados por la delicada luz matinal que es una de las marcas de Vermeer. La mirada de Clío está oculta bajo sus parpados, al no ver al espectador, reduce la dimensión espacial entre ella y el primer plano; tal vez el cruce de ojos con el espectador reduciría el espacio del conjunto y el enigma de la musa de la Historia. Terminan los planos espaciales, con un mapa de las provincias unidas de Los Países Bajos, flanqueados por dos hileras verticales con vistas de las ciudades creadas para orgullo del espacio provincial.

Fig 4 Alegoría de la Pintura de Vermeer “

Al regresar hacia el frente (del fondo-centro, a la derecha de la pintura) se encuentra el pintor de espaldas al espectador, esta constante en algunos artistas del siglo XVII era un artificio para acentuar la profundidad en la habitación e incrementar el espacio interior. El pintor (¿Vermeer?) está vestido con un traje antiguo de Flandes y crea una relación en el tiempo con la Historia (Clío); dirige su mirada hacia la musa y realiza un malabarismo pictórico, al crear la sensación de movimiento con su mano derecha y a la vez, configurar en la mano una repetición del rostro de Clío.

Restan dos elementos espaciales en la pintura, que resultan muy importantes: el candil que cuelga del techo y, en sentido opuesto, el piso. El primero se ubica centrado entre la cortina y el límite derecho del cuadro divide el espacio entre la musa y el pintor, pero no se interpone, sólo crea una distancia que sirve para alejar a la modelo y acercar al pintor; es una jugada inteligente y plena en calidad, ya que la excelente ejecución del candil es una referencia artística e histórica del Matrimonio Arnolfini de Jean Van Eyck, en esta obra el candil divide al espacio en dos y abre una dirección izquierda y una derecha, en Alegoría de la Pintura crea Vermeer una dinámica diagonal al ubicar con precisión al candil en la posición antes descrita.

El piso en un tablero blanco y negro tipo ajedrez con piezas cuadradas en mármol; el peso de las dos monocromías disminuye, al hacer eco con el traje del pintor, lo demás son direcciones y pesos para sostener al espacio en todas sus delicadas presencias.

Esta pintura es la suma de las grandes capacidades compositivas de un pintor y, a la vez, un escenario para el despliegue del tiempo y el espacio a través de la luz y los delicados detalles que la constituyen. De aquí surge la escenografía, el cine, la fotografía, etc. Es una pintura que crea otras obras de arte. Una obra promotora de otras obras; compañera del silencio, del tiempo lento que permite madurar al espíritu por medio de la destilación de la mirada.

Las artes han transitado sus quehaceres junto con las tecnologías que le son afines, no hay resistencia al progreso de estos auxiliares, pero hay una tradición heredada que es más allá de cualquier sentimentalismo, sabia y trascendente. Entre Lascaux y Bill Viola, solo cambian los medios, el tiempo se fractura, el espacio cambia de contexto; una pintora de Lascaux ahora crearía por medio de la ingeniería electrónica.

Tradición y renovación forman una unidad que pervive en cada hecho artístico, es esta unidad la que permite integrar al tiempo y el espacio en igualdad de cualidades, a fin de configurar un absoluto que ofrezca al ser humano el reconocimiento de su estética y la posibilidad de incluir en su vida el tiempo y el espacio del arte.

Fig 3.  Leonardo da Vinci, Septuaginta duarum basium vacuum, ilustración a La divina proporción, de Luca Pacioli, 1509

Fig 4. Johannes Vermeer, Alegoría de la Pintura, óleo/tela, 120 x 100 cm, 1666-67

¡¿ Y la Cultura, apá ?!

¡¡ ¿ Y  LA   CULTURA   APÁ ? !!

Atender la formación y educación de las artes en México, quedó en intenciones aisladas y a la vez interrumpidas por intervalos temporales demasiado largos, algunos llegan a décadas.

La República quedó debilitada de responsables en el diseño e implementación de modelos educativos  visionarios  y sincrónicos con la evolución de las artes.

Desde su creación, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes

(CONACULTA), se ha debatido entre su dependencia de la SEP, la enredada trama burocrática de los últimos cuatro gobiernos y la difusa relación con las cámaras legislativas y demás consejos o comisiones estatales. En estos volátiles ámbitos, el CONACULTA, difunde, promueve y tiene como una de sus más importantes funciones, la formación artística a través de sus diferentes entidades académicas, en los estados y la capital del país.

En las áreas de difusión y promoción resultan notorias alguna cifras relacionadas entre los públicos y los recintos donde se presentan diferentes disciplinas artísticas, estas cifras no inciden en los proyectos académicos ni son producto de la educación artística, son un reflejo de las empobrecidas capacidades de los públicos, para enriquecer sus vidas con las artes,  sin embargo, ayudan a tomar el pulso con el fin de ver que tan relevante es para los públicos la cultura y sus manifestaciones, a través de las artes. En la reciente Encuesta Nacional de Hábitos, Prácticas y Consumos Culturales que presentó la presidencia del CONACULTA , solo reiteran la ya sabida indiferencia de la masas a la asistencia o interés por activar su sensibilidad o disfrute a través de su estética (si es que esta no se encuentra totalmente anestesiada) de una obra artística.

Algunas cifras: 48% de los encuestados no les interesa la cultura, 73% no adquirió nada relacionado con la cultura, 57 % de la población en posibilidades, no ha entrado a una librería, 43 % no ha asistido a una biblioteca, 45% no ha asistido a ningún concierto de música en vivo, 77% no ha presenciado una obra de teatro, 86% no ha asistido a ninguna exposición, más del 90% ve varias horas al día televisión. Surgen muchas dudas de estos datos, pero ante la incapacidad para encontrar acciones para revertir estas cifras, solo de dan respuestas que no pueden ser más simples : – falta de tiempo – falta de dinero – falta de interés.

Con este diagnostico del pulso en la cultura, no vale la pena señalar a responsables de este desalentador panorama, menos a culpables que reciban (con la total indiferencia con que suelen reaccionar), los señalamientos de su incapacidad e ineptitud. Tal vez sea importante, reflexionar si la educación artística, pudiera equilibrar estos inquietantes porcentajes, con la finalidad de atenuar el rápido deterioro de las sociedades contemporáneas y en particular la mexicana, en las dimensiones de la sensibilidad artística y el despertar de las estéticas individuales.

En el número anterior de “Serendipia “ esbozamos, algunos de los rasgos que percibimos muy activos, en la falta de atención para la inclusión en los planes nacionales en la formación básica, media y media superior a las artes, en los diferentes niveles educativos en México. Ahora es el tiempo de atender a las pocas escuelas de formación profesional que estén en posibilidades de actualizar sus estrategias académicas y que decidan difundir, los productos derivados de la educación y la formación en las artes.

El ingreso a las licenciaturas resulta difuso y hasta absurdo, debido a que los niveles vocacionales e informativos con que cuentan los aspirantes, son muy deficientes en la información, desarrollo, actualización de la licenciatura o del posgrado que quieren cursar, así como la proyección profesional de la disciplina artística que pretenden seguir. Las escuelas y facultades siguen en su mayoría con plantas académicas que no se han actualizado y en una buena proporción, carecen de una vida profesional, podríamos decir que hay un buen número de académicos que son en la realidad técnicos de la enseñanza. Pero siempre en contrapeso, existe algo cercano a la decena de maestros en estas instituciones, quienes equilibran las posibilidades de los estudiantes para tener contacto con formadores calificados.

Los datos de solicitud, ingreso, deserción y termino de los estudios, se han mantenido con números estables en la última década. La demanda por la educación artística no ha aumentado en relación a otras áreas como las humanidades y las ciencias sociales. En los casos de las otras ciencias (médicas, ingenierías, etc.), hay una gran distancia como para hacer comparaciones tanto de orden numérico como presupuestal.

En todas las universidades e instituciones derivadas del Estado, las escuelas y facultades de artes, son consideradas al final de las áreas del conocimiento y son las entidades académicas con números y presupuestos más bajos. En estas instituciones de formación artística (incluidos los diseños ) las propias Universidades no reconocen que se hace investigación y los organismos que validan el ingreso a sus sistemas, no ven en las artes los rigores y valores que deben tener sus investigaciones, y siguen tomando en cuenta los parámetros de las ciencias. Tal vez es una causa perdida, los académicos y los creadores de las artes y el diseño no investigan , y tal vez, ahí seguirá la visión cuadrada de esta realidad.

Producto de la relación entre la SEP, el CONACULTA, la Encuesta Nacional de Hábitos y Prácticas Culturales,  la educación y la enseñanza de las artes a nivel profesional en México, resulta oportuno preguntar por algunos factores que han sido cooperativos con frágil nivel que presenta la cultura en nuestro país.

Son muchos y variados los elementos que cooperan con este panorama de la cultura; vale mencionar algunos: una persona recibe una gran cantidad de datos sensoriales los cuales suman miles al día, de estos, la gran mayoría son pobres en todos sentidos y se perciben de manera involuntaria. Estos hechos, generan una gran ruido mental, el cual no favorece la atención ante cualquier actividad, esta falta de atención cuando se acumula, reduce la posibilidad de concentración y de ahí se desatan otras actividades que corren a la deriva en una monótona e incontrolada cotidianidad, que se parece a una caída libre al vacío. Esto tiene una importante relación con las artes y la cultura: leer, escuchar música, bailar, estar en una obra de teatro, asistir a una exposición, y otras actividades artísticas relacionadas con las estéticas individuales, requieren de concentración; ya que la creación en las artes sólo se da a través de una enorme concentración.

En contrasentido con lo anterior, cuando recibimos la información (nada nueva) que más del 90% de los encuestados ve varias horas de televisión al día, no podemos esperar ningún avance en los estados de atención que permitan la coparticipación de una persona con una obra de arte u otro tipo de actividad cultural, menos un estado contemplativo, ya que este requiere una total inmersión, logrando una fusión con la obra.

Los gobiernos han dejado a un lado el control y responsabilidad de las concesiones a los medios de comunicación. Se han aliado y coparticipado con ellos en el manejo de las grandes masas, ya que entre otros beneficios, les ayudan a crear sus sinuosos caminos de ascenso político. Nada nuevo. Ya no hay quien los detenga, todo el planeta cambió a este productivo y pragmático modelo. El gran anzuelo para dirigir a los adictos a la t . v. , es la diversión y la pérdida de tiempo (entretenimiento).

A manera de metáfora y visualizando al futuro: Un padre le va a ofrecer a su hijo desde lo alto de las colinas donde se asientan los gobiernos, un panorama de valles con parques temáticos de diversiones, casinos, juegos, personajes de caricaturas y grandes pantallas de t .v., con miles de canales, miles de imágenes virtuales y un incontable menú de entretenimientos. El padre le dirá a su hijo: ¡ todo esto es tuyo!… y tal vez el hijo le pregunte :  ¡¡¿Y la cultura apá?!!.

Ignacio Salazar.

El fracaso de la educación artística en México

“ EL FRACASO DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA EN MÉXICO.”

Ahora podemos decir con total certeza, que en México ha desaparecido la formación artística de los proyectos educativos y  formativos para millones de niños y adolescentes. Esto no quiere decir que en otras épocas se hayan programado y desarrollado proyectos en la educación, salvo algunos intentos que incluyeran a las artes como dimensiones fundamentales de lo humano en sus estratos más delicados. No ha sido ninguna área del conocimiento, incluidas las llamadas ciencias duras ni las humanidades las que han excluido a las artes en las etapas tempranas del cuidado educativo. Simplemente en las últimas décadas, las instancias responsables de crear proyectos y planes en la educación básica, media y media superior, han minimizado o desaparecido cualquier consideración por despertar las capacidades y talentos artísticos en millones de seres que ingresan a las escuelas del país.

No es este el espacio propicio para suscitar un debate de fondo ante tal desastre. Tal vez es innecesario que esto se discuta, porque las ideas o acciones que carecen de argumento, solo son necedades que caen en estériles discusiones ( las ideas y propuestas serias se argumentan ),y ante tales escenarios, cualquier explicación o supuesta justificación, es en realidad una discusión necia. Sin embargo, resulta necesario señalar con el fin de reflexionar y llevar a terrenos de la conciencia los posibles escenarios y las consecuencias sincrónicas que padecemos ante estas situaciones.

Es en los ámbitos familiares donde apuntan las primeras acciones que manifiestan las capacidades creativas relacionadas con las artes, y son los parientes cercanos quienes alientan o se muestran indiferentes ante cualquier acto artístico de los infantes. El impulso inicial surge de una madre o padre que ve con agrado, empatía y estimulan los intentos por hacer música, hablar con seres inventados, bailar sin parar, narrar cuentos, crear sonidos con cualquier objeto, o dibujar todas las paredes. Solo unos padres y familiares atentos y sensibles, pueden activar los potenciales de los pequeños artistas. Lo contrario: la represión o indiferencia,  crea una atmosfera tóxica que sofoca con  la frustración e inseguridad, para lograr expresar el universo sensible que habita en los niños.

Otra condición adversa que se suma a la anterior, son las oportunidades cooperativas a fin de lograr la atención necesaria para estimular a la imaginación creativa en el ambiente que circunda al hogar. Demasiado ruido, radio, televisión, parloteo y falta de tranquilidad, no son elementos que propicien a la creación de cualquier acto derivado de la sensibilidad. Si aquí no se encontró el más leve pulso para que una disciplina artística emerja, todo lo que queda es que surja ( tal vez a contracorriente) la fuerza interna necesaria, para empezar de manera natural, a iniciar los impulsos que permiten el ingreso al camino de las artes.

La escuela (en los niveles básico, medio y medio superior) es un poderoso disolvente de las artes. En México, han desaparecido casi en su totalidad las oportunidades en niños y adolescentes, para recibir de sus profesores la más mínima orientación ante cualquier hecho creativo. Los profesores ignoran que existen las artes, su asociación inmediata es con el mundo del espectáculo y entretenimiento.

Un breve cuestionario hecho a quince profesores de estos tres niveles, saca a la luz, su desconocimiento y confusión ante las artes y su posible enseñanza. Ellos mismos carecen en su propia experiencia de vida, cualquier contacto que sea diferente a la televisión, el cine o las revistas ordinarias. En su formación magisterial solo tienen referencias hacia algo parecido que pudiera mencionar al arte, como parte de las sociedades y la historia, pero no hay la más mínima capacitación en estrategias elementales de instrucción para orientar a sus alumnos en la iniciación artística. En la secundaria es donde hay algunos intentos dirigidos hacia la iniciación musical, esto en el contexto de la manipulación primaria de la flauta dulce, o de pequeños grupos corales, pero es difícil encontrar condiciones de espacio, tiempo, número de alumnos y ambiente propicio para otras disciplinas artísticas.

El nivel medio superior (bachillerato), presenta intenciones tendientes a estructurar la formación artística en diferentes disciplinas a través de las llamadas actividades estéticas. Aquí cabe diferenciar las instituciones públicas y las privadas.

En las primeras, encontramos que aun bajo el cobijo de las Universidades, con sus amplios marcos conceptuales, y su abierta inclusión en las diferentes áreas del conocimiento, las artes han venido a ser el último eslabón en la currícula académica del nivel bachillerato. Así mismo, nos encontramos que las cargas académicas se inclinan hacia las ciencias “duras”, las sociales y las humanidades, quedando las artes en talleres “libres” o como asociaciones estudiantiles auto generadas por ellos mismos, con el propósito de generar modelos de expresión al margen de las instituciones educativas. Grandes manifestaciones artísticas han surgido de la marginalidad y exclusión institucional.

Otra desafortunada confusión, es la mezcla entre actividades comunitarias, difusión cultural y planes académicos. Todo se mezcla en estos apartados y con notoria torpeza, las relacionan en un derivado de la torre de Babel. Sin embargo, cuando se pretende crear una estructura académica, esta se compone a destiempo de los modelos académicos que operan en otros países, y la frágil formación artística por lo general se enfoca a los modelos decimonónicos de las “ bellas artes”.

En los centros de formación privados, ya sean estos escuelas, institutos o universidades, encontramos una brecha que conduce a una  diferente dirección. Si bien, no presentan modelos refrescantes e innovadores en sus planes académicos, si encontramos que hay voluntad por iniciar la formación en las artes con instructores que imparten desde la primaria algunas “actividades” encaminadas a formar de manera integral a los alumnos. Tal vez de esas gruesas masas de estudiantes surjan a futuro algunos artistas.

Hasta aquí el balance cuantitativo es un desastre. La instrucción pública abandonó (debido a una histórica cadena de ignorancia) su obligación por formar profesores, que a su vez tuvieran la mínima capacitación para despertar los potenciales artísticos en los millones de alumnos que necesitan su dosis educativa. De igual manera, la instituciones privadas cumplen a medias con la oportunidad de formar iniciados en las artes.

La hora de las verdades se presenta cuando esas decenas de miles de estudiantes que egresan de los bachilleratos, pretenden iniciar su formación en el nivel profesional. Solo existen en México, un reducido número de Universidades y centros educativos que cuentan con escuelas o facultades de artes, que tienen como misión la formación de profesionales en las artes; sin embargo, nuevamente estas entidades académicas son las últimas en las cadenas presupuestales, así como en las áreas de influencia en el macro de las instituciones.

Ingresan miles de estudiantes que en su mayoría presentan un desconocimiento casi total de la carrera que pretenden estudiar. Los exámenes de diagnostico que se aplican al ingresar a las licenciaturas, muestran las consecuencias, de este descuido histórico en la educación mexicana.

La cultura es la conciencia de las sociedades. Las artes son el espíritu de los pueblos. Haber olvidado la educación artística nos ha despojado de algunos valores trascendentales en lo humano. Tal vez los manifiestos deterioros en las sociedades contemporáneas obedecen, en buena medida, al materialismo pragmático de los esquemas neo liberales. Los grandes aliados de estas calamidades son, hasta ahora,  la incorregible ignorancia de los gobernantes y las luces deslumbrantes que han atrapado a las narcotizadas sociedades del espectáculo.

Ignacio Salazar.

Tiempo y Espacio en la pintura- Parte 2- Pintura y Cine

TIEMPO Y ESPACIO EN LA PINTURA

PARTE II

PINTURA Y CINE

La compleja riqueza del cine evoluciona con enorme rapidez y se bifurca en diferentes direcciones a causa de las tecnologías, las propuestas en los cambios estéticos y las relaciones novedosas que va trazando el cine con las sociedades que lo producen. Un arcón infinito de sorpresas y reiteraciones. Momentos de esplendor y épocas de vacío, cada tiempo de cine refleja a lo humano y sus entornos.

La pintura es una imagen detenida, no tiene sonidos, no tiene una duración específica, ni expone las realidades a través de tramas discursivas, ni atractivos argumentos. La pintura se construye en el silencio, la solitud de quien la hace es, a un tiempo, gozosa y dolorosa. La pintura es una imagen, una película, miles de ellas, pero esa imagen detenida que es una pintura, puede llegar a tener tanta fuerza como las miles de imágenes de una película. Esa fuerza de la pintura proviene de que es un arte que venimos practicando desde hace más de cuarenta mil años y ha sido la manera de registrar nuestra humanidad a través de imágenes detenidas que dan el testimonio de lo que somos.

La carrera de bisontes o la persecución de una presa por cazadores con lanzas, representadas en la pintura rupestre, son antecedentes del cine, en lugar de una pantalla, usaron miles de metros de pared  y techos donde narraron sus visiones del mundo trascendentes que les rodeaba. En lugar de cámaras digitales o sofisticados instrumentos, usaban tierras y cenizas mezcladas con grasas animales o saliva, rudimentarios andamios y en casi total oscuridad. Estos son los inicios de la pintura y el cine. Lo demás es un juego de velocidades (podemos decir que la pintura es atemporalmente lenta): donde el cine es un misil calculadamente dirigido y la pintura es una bruma detenida que se atraviesa.

El cine documental se afana en testimoniar la verdad, lo real, la penetración de lo que es, usaríamos una frase que se ha aplicado a la abstracción, tratando de evadir los significados: “Lo que ves, es lo que es”. El cuerpo del documental se adapta a las ciencias duras y blandas, a dar testimonio por medio de una filmación de toda clase de hechos, como lo ha hecho la fotografía, la pintura o el dibujo.

En la Revolución Francesa Jacques Louis David,  trepó a un árbol en una céntrica esquina de París, en el camino del carromato que conducía hacia la guillotina a María Antonieta, quien en esos momentos viviría los últimos instantes de su vida. David hizo un rápido apunte de la reina, apenas unos segundos para dejar el más intenso testimonio por medio de un dibujo, del sufrimiento padecido por la reina de Francia en esos años.  En México, José Clemente Orozco rasuró la hipocresía de una sociedad con pretensiones aburguesadas, con dibujos, caricaturas y pinturas. En otra dirección Guadalupe Posada y Vanegas Arroyo documentan la sociedad y sus hechos  de un México entre dos siglos, a través de sus afilados ojos y buriles.  Buena parte de la historia de la pintura ha dejado, como el cine documental, los momentos históricos, el caso de los magnicidios o de los más variados hechos sociales, dan cuenta de lo ocurrido

En otro sentido, la interrelación del dibujo, la pintura y el cine documental en cuanto a la observación, estudio y testimonio de la naturaleza, ha derivado hacia los modelos educativos, la divulgación científica y el entretenimiento. El descubrimiento de buena parte del territorio de Estados Unidos por parte de los pintores llamados de la escuela del río Hudson, abrió las puertas a una época de esplendor para el género del paisaje en el continente americano. José María Velasco y Eugenio Landesio replantearon los hecho por los ilustradores europeos que les antecedieron.

Un capítulo del cine entre documental y ficción, lo comprende la biografía de pintoras y pintores, y la realización de películas en torno a la pintura. Aquí nos sigue interesando esa distorsionada concepción de la “rareza” de los pintores con sus manifiestos vicios y desviaciones, así como las emociones perturbadas de esos artistas que llaman la atención de algunos cineastas para hacer películas que muestran las neurosis y sufrimientos de éstos. Esas visiones cursis de pintores sobredotados  de emociones y sensibilidades, o de patologías con requerimientos psiquiátricos, solo han creado ámbitos favorables que incrementan el valor de sus obras en los mercados del arte. Las cualidades de una pintura no tienen relación con la “rareza” de quien la hace.

Algunas películas que podemos mencionar por tratar a la pintura como el catalizador de las perturbaciones mentales son: La agonía y el éxtasis (Miguel Ángel), Sed de vivir (Van Gogh), Frida, Goitia, un dios para sí mismo (Francisco Goitia), El amor es el diablo (Francis Bacon), Moulin Rouge (Toulouse Lautrec), Artemisia (Artemisia Gentileschi), Modigliani (Amadeo Modigliani)… Aquí reiteramos, los datos biográficos propios del cine documental , se traman con la ficción y se crea otro “producto”.

Son innumerables los proyectos que se crean a diario en el amplio campo del cine documental, y las artes visuales tienen en las disciplinas “documentales” un vasto universo de oportunidades.

La pintura tiene en el terreno de las composiciones, la gran arena para los debates del ingenio y la creatividad. La reinvención de la pintura es por demás necesaria, ya que una disciplina sin una constante reconsideración está condenada a desaparecer y es, en buena medida, la composición pictórica la que marca el rumbo de la contemporaneidad en esta forma de arte. En el cine se puede componer como en la pintura ya que le film y la pintura no son para nada excluyentes.

Cada pintura se va desarrollando al añadir y eliminar los elementos que se van haciendo necesarios, para ir construyendo cada tramo de la superficie. Componer es una renovada voluntad por crear algo nuevo a través de la conjunción de las partes que se sobreponen o eliminan. La innovación en la pintura y su reinvención, tienen como eje de transformación a la evolución que se dé en la composición.

Componer en el cine, es armar múltiples pinturas en movimiento, con sonido, efectos, tiempo, clima, equipos, viajes. Es un largo y complejo trayecto con cientos de tripulantes en una nave llena de videntes.

Uno de esos videntes, Peter Greenaway dice: “Comencé mi carrera como pintor, y pintar es todavía, para mi, el supremo medio visual de comunicación. Sus libertades, sus actitudes, su historia , su potencial. Y si uno mira a la pintura del siglo XX, ha sido diez mil veces más radical de lo que el cine ha sido […] el cine es un medio totalmente conservador. Es por alusión a la pintura que trato de fomentar mi pasión por la pintura. La pintura me estimula más que cualquier otra actividad cultural”.

La pintura y el cine irán llevando a las artes visuales por caminos paralelos con ondulantes encuentros y alejamientos, hay espectadores para ambas disciplinas, cada día menos para la pintura por sus secretos silenciosos, cada día más para el cine por su poderosa voz.

Ignacio Salazar.

Ciencia, Humanidades y Artes

Ciencias, Humanidades y Artes

Las artes se transforman a cada instante. Un continuo de acciones que no hallan descanso se van tramando en una infinita red de relaciones, en la que cada acto es producto de una singularidad creativa; al mismo tiempo, son el resultado de una serie de conocimientos y apropiaciones de otros artistas creando grandes estructuras, cuyas características son la impermanencia constante desde el principio de los tiempos.

Las artes son la esencia de lo humano, la conciencia de las sociedades y la realización de lo trascendental. En igualdad de relevancia, son las ideas, el pensamiento y lo que denominamos civilización: lo que somos.

Los actos creativos tienen como basamento a las sensaciones; cada imagen, sonido, sabor produce una huella mental que se almacena configurando la memoria. Con esos elementos se transitan los caminos de la creación, apropiándose de aquí y de allá; surge un boceto … un modelo que sólo es el inicio de una compleja serie de decisiones. Crear es decidir, decisión tras decisión; un breve ejemplo, pintar en una acción que sorprende por el número y velocidad de las decisiones … todo se sobrepone de manera instantánea.

La creación es un enigma, una vasta relación con el mundo y con los seres, un compromiso con la vida tratando de descifrar las derivaciones de la imaginación y la ilusión. Estas realidades evanescentes tr3.4an sus rutas por arriba de lo concreto y palpable, de lo visible y entendible. Bajo estas pulsiones se aloja la estética y la conciencia del arte.

La imaginación y la ilusión están en todas partes; no se les puede ver, pero hacen creíble lo increíble; son materia de la creación y nos acercan a la verdad. Sin embargo, crear es un acto natural como respirar o mirar los cielos, es nuestra esencia: a cada momento creamos y recreamos nuestro mundo exterior. Existe la posibilidad de que a través del arte se descienda por el tobogán que conduce al mundo interior, ese es el anhelo de un verdadero artista: morar en un diálogo con el espíritu.

Me motiva la posibilidad de exponer algunas reflexiones que, por más de 30 años, he tenido la oportunidad de compartir con importantes humanistas, científicos, artistas, estudiantes, obreros, campesinos y hasta funcionarios que han pretendido administrar la cultura (la mayoría de las veces con débiles resultados), bien de manera personal o en diferentes foros y cuerpos colegiados.

Lo que me llama la atención es que seguimos viendo al conocimiento dividido en ciencias, artes y humanidades; es decir, como si la compleja red de lo científico se hallara aislada, autónoma y autosuficiente: un mundo contenido en sí mismo y dirigido hacia una serie definida en sus objetivos.

La visión dualista de las realidades nos ha conducido a vernos separados de todo lo que nos circunda. Vemos a las artes con distancia, ajenas a nuestra vida cotidiana; nos es muy difícil tratar de hacer de nuestra vida una obra

de arte. Observamos a las humanidades como conocimientos separados de nuestras conductas más elementales.

Yo y mi mundo, mis intereses, mis deseos, todo lo que me rodea me es ajeno, sobre todo sí no me aporta un beneficio personal. Esto es la visión dual. Para esta visión dualista, el día nunca es noche, la brisa no es tormenta, el amor nunca es odio, la juventud no es vejez, el poder nunca es desgracia, la vida nunca es muerte … meras ilusiones, dolorosas ilusiones. No hay dos, todo es uno; pero resulta casi imposible verlo así, ya que significaría hacernos lo otro, hacernos los otros, vernos como parte de un todo interrelacionado, hechos que dependen de condiciones y circunstancias cooperativas para que algo suceda. Así operan los momentos de nuestra vida.

Deseo exponer algunas consideraciones en torno a la pintura, tema del que considero conocer levemente. La pintura es experimento en un continuo de complejas estrategias que se transforman a través de acciones sencillas y devienen en ella. La pintura es una ciencia y por esta razón, dentro de los límites, es que debemos tomar como guía, en el examen de las relaciones entre las ciencias y las artes, a la noción de experimento. Karl Popper afirmó sucintamente que: “Las acciones emprendidas al objeto para comprobar una hipótesis reciben el nombre de experimentos”.

Por más de 30 mil años hemos experimentado, pintando y construyendo, el mundo a través de las imágenes mentales elaboradas por el cuerpo sobre cualquier

superficie. La pintura ha tenido innumerables procesos técnicos como el temple, el fresco, la caseína, la acuarela, el guache, la encáustica, el óleo, el acrílico y toda suerte de posibles combinaciones, en las que cada artista crea su propio micromundo de innovaciones y obsolescencias. Cada incursión técnica es una

renovación, producto de la repetición con ciertas dosis de innovación en un ciclo interminable de experimentaciones técnicas; de pronto, el encuentro con lo largamente buscado.

La experimentación en las técnicas pictóricas es un tránsito que no tiene fin. He conocido innumerables artistas que han cifrado sus afanes en el dominio de los medios. ¿A qué se debe esa fruición por la manipulación de los materiales? Es una pulsión muy oculta que sólo aparece en el momento de pintar, es un

engolosinamiento con la brillantez de una luz, la opacidad de un verde cinabrio, la translucidez, de una laca de garanza, la elegancia de un negro spinel, la profundidad de un azul ftalo, la absorción de un blanco de titanio sobre un papel

de arroz o el recorrido de la tinta sobre la seda, donde se van sobreponiendo las capas de veladuras de un temple graso que terminan en algo inefable.

Experimentar sobre las superficies está en nuestra naturaleza humana. Altamira es la máxima expresión de la pintura contemporánea, cada centímetro de piedra se va construyendo en una totalidad que adopta la forma de algún ser. Los recorridos con los ocres, rojos óxidos, blancos, negros, etc. sobre las superficies de las cuevas nos muestran los prodigiosos talentos de las pintoras que realizaron, a través de grasa de animales, saliva, orina y agua, la fusión entre la superficie y la manera de tocarla.

Experimentar con las superficies es, igualmente, un recorrido a través de la estética del tacto. Cada artista necesita una piel sobre la cual desenvolver su obra. La pintura es una suerte interminable de “pieles” creadas a través de miles de procesos de experimentación. Así, encontramos que las maderas nos han proporcionado extraños y variados soportes dependiendo de su naturaleza; hay un significativo cambio entre pintar sobre álamo que sobre roble, sobre caoba que sobre encino. Cada madera y una compleja química de imprimaturas permiten al pintor hallar la textura adecuada para deslizar cierto color; lo mismo que las telas: sedas, linos y algodones como soportes sobre los que se debate la pintura.

Este vasto campo de las superficies y las imprimaturas van desde una miniatura de Andrea Mantegna, pintada con una técnica que no ha sido posible descifrar sobre un soporte de álamo, hasta Las Bodas de Caná del Veronés cuyas dimensiones aplastan nuestra pequeñez.

La pintura es una ciencia. Pocos quieren recorrerla en estos tiempos, pues no lleva menos de 20 años empezar a entender su vastedad. La amplitud de su práctica y su conocimiento es ilimitada. Solamente los temas relacionados con las

composiciones nos podrían llevar una vida, en uno sólo de sus aspectos, llámense cualquiera de éstos: espacio, movimiento, ritmo, color, equilibrio, escalas, luz …

El arte está íntimamente relacionado con la Química, la Topografía, las Matemáticas, la Física, la Neurobiología, la Medicina, la Geología … Las infinitas decisiones que un astrónomo ejercita en una noche sin fin, reverberan en los trazos de una madrugada dibujando sobre un gran papel. La trayectoria de las estrellas es la misma que la de una impronta sobre una superficie.

No hay dos todo, es uno; una unificación en la que las causas y los efectos se suceden de igual manera entre las ciencias, las humanidades y las artes; lo de menos es el resultado, ese es impermanente y simplemente hay que volver a

empezar.

Mtro. Ignacio Salazar Arroyo

Director de La Escuela Nacional de Artes Plásticas de La

Universidad Nacional Autónoma de México.

El tiempo en la pintura

TIEMPO EN LA PINTURA  I

¿Cómo comprender a través de la razón y el pensamiento las complejas y difusas redes de los tiempos, donde la pintura se ha posado en los últimos treinta mil años?. Esta pregunta no se puede desarrollar por medio de una respuesta o con una argumentación, por sólida, que ésta pretenda exponerse. La razón no ayuda en el ámbito de lo sensible a despejar las dudas y en ocasiones entorpece y vuelve pétreo, aquello que es volátil e inefable, estados  propios del arte, y en este caso de la pintura.

Aquí vamos a esbozar, la  trama de los diferentes tiempos de la pintura, desde las etapas formativas del practicante, hasta las amplias derivaciones en otras artes, atendiendo a cada una de estas dimensiones, desde una visión lo más condensada posible.

El tiempo en lo que podríamos considerar la etapa formativa, tiene diferentes niveles, los cuales van desde una aproximación temprana en la infancia, (difícil de encontrar en México, donde la iniciación artística, casi ha desaparecido tanto en la fase escolar como en la formación familiar) hasta el inicio en las instituciones de educación superior. Aquí cabe considerar que al ingresar el iniciado a las escuelas de artes visuales, este presenta, tanto en la formación como la información básica, niveles nulos,  o bien mínimos. Esto posterga la relación pintura-conocimiento  a un nivel casi infantil, partiendo de las bases para una formación profesional. Derivado de este vacío temporal, los inicios en la pintura se prolongan por años, sobre todo en el adiestramiento técnico, que es el área fundamental de esta disciplina.

Al devenir en un objeto material, la pintura surge como cosa que se inserta al mundo, esto parte a través de la mano. De esta relación entre la mente, las funciones psicométricas y la mano, deviene  la habilidad para construir una pintura, habilidad que se incrementa con el tiempo, ya que los procesos técnicos y la enorme variedad de los mismos, convierten a la pintura en una compleja red de cualidades técnicas, formales, creativas y compositivas.

En ningún momento de la vida pictórica, se detiene el aprendizaje de los medios, soportes e innovaciones técnicas y a lo largo de los tiempos, podemos observar cómo esta dimensión entre la técnica y el objeto, constituye la base del universo pictórico.

En dirección paralela a las técnicas, corren con la pintura, los innumerables modelos compositivos; marcando épocas, estilos, tendencias o movimientos. Componer una pintura, obliga a relacionar  todo lo que se crea, a partir de lo bidimensional, como principio espacio-objetual, de donde surge una variada serie de elementos (escala, formato, ritmo, espacio, color, luz, etc.) que se presentan en la superficie del cuadro. Cada pintor (a) va con el tiempo preponderando alguno de estos elementos constitutivos de la composición, y silencia o niega otros. Estas elecciones tienen una marcada relación las épocas y tiempos, de la vida artística. La relación composición-tiempo, es una compleja red interdependiente que se va construyendo entre las habilidades y capacidades, tanto sensibles como cognitivas; añadiendo pequeñas dosis de innovación las cuales con el tiempo, producen los grandes cambios que vive la pintura y su importante papel en el arte y la civilización.

Los avances e innovaciones se han mantenido en un continuo permanente, gracias a las enormes cantidades en las maneras de componer. Sólo necesitamos observar en la vida de un pintor, los variados estados compositivos a lo largo de su carrera, esto aunado a su época, influencias y aportaciones, nos pueda ofrecer una compleja gama de composiciones. Cada pintor evoluciona en el tiempo, como una fábrica de invenciones.

Otras áreas del arte y en este caso de  la pintura, que ha tomado al tiempo como un catalizador son las relacionadas con las temáticas o contenidos, por medio de la historia y teorías del arte.

Estas registran los significados del objeto, las ideas que los originan, las envolturas de pensamientos que los cubren. Se han convertido en la arena de los debates, las discusiones y argumentaciones de corrientes y estilos, son las atmósferas que circundan a las discrepancias y coincidencias. El registro de los estadios de la historia del arte en amplio y de la pintura en particular, se inician a partir de los testimonios elaborados por pensadores o por los propios artistas, en relación directa con el tratamiento de los temas y su desarrollo. En sentido paralelo, se van construyendo las teorías que surgen de la pintura, su entorno y el pintor. Cada teórico o historiador edifica una vertiente que desemboca en el gran océano de los pensamientos, las ideas y sus argumentos, sean estos calificadores o descalificadores, e inevitablemente van a considerar a partir del objeto, llamado pintura, la oportunidad para darle sentido o significado a algo que en la mayoría de las ocasiones, no necesita ni razonamiento o elucubraciones para aparecer y permanecer como objeto artístico, como…pintura.

Sin embargo, a través de los tiempos, se ha manifestado la necesidad de entender por medio del lenguaje, lo que significan las cosas, en este caso, la pintura; de aquí se desatan las reflexiones más lúcidas e inteligentes o los disparates más absurdos, y en el tiempo, sobreviven estas dos direcciones derivadas de la pintura.

Como elemento que proviene de la teoría e historia y que encontró en la pintura un propicio caldo de cultivo es: la crítica. Esta elevada forma de pensamiento, tiene a la razón, como una útil y productiva herramienta, para la construcción de modelos de pensamiento que ayudan o señalan, cualidades o defectos del producto artístico y sus relaciones sociales, económicas históricas o políticas. La crítica aparece con intensidad o se debilita, como una de las muchas consecuencias de los modelos culturales  y sus relaciones con los diferentes entornos. Oscila en un vaivén temporal en consonancia con la conciencia de las sociedades.

En estos diferentes modelos de pensamiento encontramos las dos dimensiones que a momentos se entrelazan, y en otros se alejan, nos referimos a la diacronía y la sincronía. Tanto las teorías y conceptos, como las composiciones y sus alianzas con los procesos técnicos, alternan sus participaciones a través de estas dimensiones del tiempo, pero es el artista quien transita estos caminos, lo hace de una manera natural y tal vez no conciente, creando pinturas a su tiempo, con su tiempo, y en afortunadas ocasiones para el tiempo.

Mtro. Ignacio Salazar.